Total
128
Shares

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires invita a la fiesta aniversario de sus ciclos audiovisuales: El cine es otra cosa y Escuchar [Sonidos Visuales], el próximo sábado 25 de agosto de 20:00 a 02:00 en el renovado y ampliado edificio ubicado en Avenida San Juan 350 .

El evento, con entrada libre y gratuita, invita a disfrutar del programa especial Escuchar CLUB, sonidos para los sentidos y el cuerpo, donde el auditorio luce y suena como una ”pista de baile hi-fi”. Electrónica bailable seleccionada por los célebres DJs Pareja y Dany Nijensohn, con la integración de visuales del ciclo El cine es otra cosa a cargo de Gisela Faure.

A lo largo de los últimos 20 años de actividad ininterrumpida, los ciclos audiovisuales del Moderno fueron referentes y formadores de artistas, investigadores y profesionales interdisciplinarios, además de generar un espacio de visibilidad para las obras audiovisuales experimentales, y un sitio de encuentro entre los artistas argentinos e internacionales y el gran público.

Ambos programas curados por Gabriela Golder y Andrés de Negri ( El Cine es Otra Cosa) y Jorge Haro y Leandro Frías Escuchar [Sonidos Visuales] se desarrollan a partir de ejes temáticos y abordan las más diversas producciones audiovisuales experimentales y sonoras contemporáneas, convocando a artistas nacionales y extranjeros.

Este año en el marco de una verdadera fiesta, el Moderno vuelve a lanzar ambos ciclos con una propuesta conjunta que busca dar cuenta de los cruces interdisciplinarios en lo tecnológico y lo estético a la vez que invita a aproximarnos, desde la imagen en movimiento y el campo sonoro, a los universos que transitan las exposiciones del Museo.

Una de las claves de este suceso, es el hecho de que durante todos estos años el ciclo se esforzó por ofrecer un perfil internacional. Tocaron artistas de todos los continentes, gracias a ese proceso hoy en día, Escuchar [Sonidos visuales] es una referencia a nivel regional y forma parte de una red que dialoga e intercambia información de manera constante. Leandro Frías

ECEOC Area Pablo Mazzolo, Quilpo

 

PROGRAMACIÓN FIESTA ANIVERSARIO: 

Sábado 25 de agosto de 20:00 a 02:00:

El cine es otra cosa: 
20:00 a 22:00: Pantalla abierta a cargo de AREA (Asociación de Realizadores Experimentales Audiovisuales)

Escuchar [Sonidos visuales]

Programa especial Escuchar CLUB, sonidos para los sentidos y el cuerpo, donde el auditorio luce y suena como una ”pista de baile hi-fi”. Electrónica bailable seleccionada por los célebres DJs Pareja y Dany Nijensohn, con la integración de visuales del ciclo El cine es otra cosa a cargo de Gisela Faure.
22:00 a 00:00: Dany Nijensohn
00:00 a 02:00: DJs Pareja

 

Dany Nijensohn

Dany Nijensohn; sus sets de música han hecho bailar a generaciones de artistas y celebridades en los lugares y fiestas más míticas de Buenos Aires de los 60s a la fecha.”

 

Dj preferido de los artistas de vanguardia a fines de los sesenta, continuó su fuerte trayectoria en las décadas siguientes pasando por Cemento en los ochenta, entre muchos otros espacios. Actualmente, continúa dirigiendo la emblemática disquería El agujerito y musicaliza Omm Bar, La Tangente y Niceto Bar.

 

Djs Pareja

Djs Pareja por Camila Marconi

 

Desde 2000, han tocado en los clubes y festivales más importantes de Argentina y el mundo llevando su mezcla personal y ecléctica de techno y house. Actualmente comandan y residen sus propias fiestas, Fun Fun, en el club Shamrock Basement y Leftclub en La Tangente.

 

Gisela Faure

Artista. Ha dirigido video clips y participado como Vj en festivales masivos de música electrónica y en las puestas visuales de diversos referentes del pop y el rock local, entre ellos, Virus, Roken, Leandro Fresco y la Orquesta Fernández Fierro.

 

AREA

Asociación de Realizadores Experimentales Audiovisuales, fundada en Argentina en 2017

20 años de exploración y arte sonoro: por Leandro Frías.

En 1998, con la dirección de Laura Buccellato, Jorge Haro comenzó a curar el espacio de música del Museo de Arte Moderno. Para la época fue todo una novedad en tanto la programación que ofrecían los museos. Así se creó el espacio de música y ya pasaron 20 años de ese momento. El ciclo nunca se mantuvo estático, de hecho cambió de nombre varias veces. 2×1, al comienzo, luego devino en Conciertos en el LIMb0, un proyecto interinstitucional que tuvo incluso varias sedes en el país y un intercambio a nivel iberoamericano con Experimenta Club (España). Y por fin, Escuchar [Sonidos visuales] ya en el auditorio del actual edificio del Museo, con una programación más amplia que comenzó a incluir una cantidad de experiencias diversas y un fuerte apoyo de la actual dirección a cargo de Victoria Noorthoorn.

Es realmente notorio, incluso diría todo un caso para quienes estudian gestión cultural, que este espacio haya estado activo y evolucionando durante tanto tiempo, justamente en un contexto muy adverso, donde este tipo de proyectos naufragan a diario. Y aún más curioso es que este espacio dedicado excluvisamente a las músicas exploratorias y las artes sonoras encuentre su lugar en un Museo enfocado en las artes visuales. Nos obliga a preguntarnos qué sucede con los espacios espefícicos del mundo de la música.

Más allá de una curaduría concreta y abierta, el apoyo de las sucesivas direcciones y una audiencia que fue abriéndose a nuevas propuestas a lo largo del tiempo, incorporando incluso nuevos públicos formados en las universidades del nuevo milenio

Otra marca registrada de nuestro ciclo es la excelencia técnica, detalle sin el cual no pueden darse estas propuestas. Cuidamos mucho ofrecer equipamiento de primera línea, un equipo profesional de técnicos especializados en estas músicas, y el cuidado de detalles como la iluminación.

Sobre los ciclos:

Escuchar [Sonidos visuales] combina experimentación, investigación, promoción y reivindicación sonora, musical y audiovisual. Se desarrolla en distintos momentos del año durante tres días consecutivos, reuniendo a diversos artistas locales e internacionales que realizan sus conciertos en cada bloque de programación. El ciclo profundiza, en las sucesivas ediciones, las líneas de contenido que definen su identidad: nuevas ediciones de Escuchar MINI para los más pequeños y Escuchar CLUB, una propuesta vinculada con los sentidos y el cuerpo, así como conciertos, performances y sesiones audiovisuales.

Con curaduría de Jorge Haro y Leandro Frías, las propuestas artísticas que integran la programación van desde la búsqueda más radical a ciertas aproximaciones a la cultura pop-rock, siempre desde una perspectiva innovadora ligada a la utilización de tecnologías electrónicas y digitales.

En el año de su 20° aniversario, a través de diversos programas se repasará la historia de este espacio que se inició con el ciclo 2×1, continuó con Conciertos en el LIMb0 y actualmente con Escuchar [Sonidos visuales]. Además de incluir las fechas dedicadas a Escuchar MINI y Escuchar CLUB, continuará #postEscuchar, con sus sesiones de DJs en ATOM y allí mismo se realizará Audiciones, un certamen para artistas emergentes cuyos ganadores se presentarán a fin de año en el auditorio del Museo.

El cine es otra cosa es el ciclo de video y cine experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Con el objetivo de expandir la definición de lo que es el cine, el ciclo se propone difundir las producciones audiovisuales experimentales de los artistas tanto consagrados como emergentes, que trabajan en nuestro país y en el exterior.

Dedicado al cine en su sentido más amplio, este ciclo curado por Gabriela Golder y Andrés Denegri continúa la misión ininterrumpida del Moderno que, desde 1998, genera un espacio de visibilidad para las obras audiovisuales no comerciales.

El cine es otra cosa convoca en cada encuentro a diferentes artistas y especialistas para ofrecerle al público la posibilidad de sumergirse en las discusiones y los debates sobre las producciones audiovisuales, invitándolo a participar con sus inquietudes, reflexiones y comentarios en el marco de cada proyección.

Durante 2018, el ciclo de video y cine experimental del Moderno dedicará una serie de programas a artistas audiovisuales argentinos que han transitado por este espacio. El programa estará dedicado asimismo a otros artistas argentinos e internacionales, con proyecciones monocanal y performances audiovisuales.

Agradecimientos: Victoria Noorthoorn, Victoria Onassis, Leandro Frías, Tomás Peper.

——————————————————————————————————————

 

PROGRAMACIÓN SEPTIEMBRE – NOVIEMBRE 2018

 

El cine es otra cosa

AGOSTO

Todos los viernes de agosto a las 19:00

Ismo, Ismo, Ismo: Cine Experimental en América Latina*

En diálogo con la exposición Historia de dos mundos.

*Ismo, Ismo, Ismo: Cine Experimental en América Latina fue lanzado en 2017 por Los Ángeles Filmforum. Es el primer programa y publicación de cine basada en los Estados Unidos que trata la totalidad de la vibrante producción cinematográfica experimental de América Latina.

 

Viernes 17, 19:00: Bolívar, sinfonía tropikal                                                                                         Presenta: Isabel Arredondo

Duracion: 73 minutos

Bolívar, Sinfonía Tropical renuncia al diálogo y presenta imágenes amenizadas con música: representaciones abstractas de algunas etapas de la vida y obra de Simón Bolívar; recreaciones de cuadros famosos de la pintura venezolana, escenas de sueños febriles difíciles de interpretar. Diego Rísquez se lanza a la apuesta de mostrar un lado no tematizado de Bolívar y del movimiento independentista: el lado inconsciente de la creación de la figura heroica. El inusual formato de producción Super 8, las imágenes surrealistas y la música sicodélica caracterizan a esta cinta de poética única.

 

Bolívar, sinfonía tropikal, 1981, Super 8 (transferido a digital), color, sonido, 73´                                                                                                             de Diego Rísquez I Venezuela

 

Viernes 24, 19:00: Meta: el cine critica al cine                                                                        Duración: 77 minutos

 

En un modo reflexivo, los realizadores de este programa contemplan su medio elegido, su historia, características definitorias y movimientos icónicos. Si existe alguna especificidad latinoamericana del meta-cine, Agarrando pueblo (1977) de Luis Ospina y Carlos Mayolo es uno de los puntos de partida de esa tradición. En el filme hay una reflexión sobre la representación de la pobreza en América Latina, producida por cineastas locales privilegiados y financiada por fondos europeos en busca del elusivo “real” en el cine del Tercer Mundo. Ospina y Mayolo acompañaron el estreno parisino de 1978 de Agarrando pueblo con un manifiesto titulado “¿Qué es la pornomiseria?,” que representa un nuevo nivel de autoconciencia y crítica con respecto a la percepción extranjera del cine latinoamericano. En Citron pressé au Blue Bar (Souvenirs/ Cannes) Teo Hernández presenta una mirada extranjera y oblicua sobre el espectáculo en torno al Festival de Cannes. Ximena Cuevas en Cinépolis, la capital del cine (2003) presenta una inquietante perspectiva interna sobre el mundo cotidiano de la creación y el consumo de imágenes. El aparato cinematográfico está en primer plano en la crítica cubana de la producción defectuosa y descuidada, Chapucerías (1987), de Enrique Colina. Daniel Santiago en Duelo (1979) y Claudio Tozzi en Fotograma (1973) logran giros conceptuales que se convirtieron en clásicos de la escena Super 8 brasileña en los años setenta.

 

Agarrando Pueblo, 1977, TBD, 29´

de Luis Ospina y Carlos Mayolo I Colombia

 

Duelo, 1979, Super 8/16mm, color, sonido, 3´

de Daniel Santiago I Brasil

 

Cinepolis, La Capital Del Cine, 2003, ByN y color, Stereo, 22´

de Ximena Cuevas I México

 

Souvenir de Cannes, 1982, Super 8 (transferido a digital), 12´

de Teo Hernández

 

Chapucerías, 1987, 35mm (transferido a digital), color, sonido, 11´

de Enrique Colina I Cuba

 

Viernes 31, 19:00: Umbrales: Realizadoras experimentales de América Latina

Presenta: Narcisa Hirsch

Duración: 81 minutos

 

Umbrales busca indagar los posibles desbordes e implicaciones epistémicas de los términos “mujer latinoamericana”, “artista latina”, para componer un mapa de empatías conceptuales, estrategias coincidentes y redes afectivas que traspasaron barreras geopolíticas y apostaron a la subversión del canon modernista. La genealogía propuesta es sinuosa y fragmentaria, señala puntos en encuentro y desencuentro entre las creaciones cinematográficas realizadas por mujeres de América latina. La emblemática obra de Narcisa Hirsch, Come Out (1975), funciona como síntesis conceptual de este panorama, trabajando desde una espacialidad personal e independiente, que resulta clave para comprender las indagaciones experimentales de las realizadoras presentadas en este programa. La performatividad sonora sirve como punto de partida de este recorrido. Lydia García, una de las pioneras en esta práctica, en Color (1954/1955) trabaja con el Hot Jazz Club que acompaña en vivo la filmación de un action painting realizado por la artista. En una búsqueda musical comparable, Vivian Ostrovsky, quien vivió su infancia y adolescencia en Río de Janeiro, con Copacabana Beach (1983) realiza un collage lúdico que retrata las escenas cotidianas de una jornada en la playa de Copacabana. A partir del ritmo de fragmentos musicales, entre ellos canciones de Carmen Miranda, la película puede ser entendida como “beach symphony film” (una sinfonía costera), tal como la describe Johnson y Stam. En Popsicles (1983/1984) de Gloria Camiruaga la sonoridad está trabajada a partir de bocas que repiten el mantra del Ave María, mientras chupan un helado de agua que dentro contiene el clásico soldadito miniatura. La obra es una fuerte denuncia a la ligazón entre la iglesia y la dictadura militar chilena, e interpela a la negación de los devotos a ver estos nexos. Poner el cuerpo es sin duda otro de los nodos de estas indagaciones experimentales. Marie Louise Alemann tuvo especial importancia en la investigación en el cruce de la captura cinematográfica y la corporalidad en todas sus formas. En Umbrales (1980) compone una coreografía de cuerpos masculinos, destacada por Federico Windhausen “como una obra fundamental del cine ‘queer’ de América Latina.” La enunciación feminista a través del señalamiento poético de la corporalidad en escena se muestra en Silvia Gruner en Desnudo con alcatraces (1986), donde la artista logra una atmósfera sutil contaminada por el grano de la película, sensual en la relación de su piel con los alcatraces y desafiante en los encuadres de su cuerpo desnudo.

 

Come Out, 1971, Super 8 (transferido a digital), 11´

de Narcisa Hirsch I Argentina

 

Color, 1955, color, sonido, 3´

de Lydia García I Uruguay.

 

Desnudo con alcatraces, 1986, Super 8, ByN, silente, 1´50´´

de Silvia Gruner I México

 

Popsicles, 1982- 1984, video, 4´42´´

de Gloria Camiruaga I  EEUU/Chile

 

Umbrales, 1967, 16mm, color, 19´

de Marie Louise Alemann I Argentina

 

Paracas, 1983, 16mm (transferido a digital), color, sonido, 18´26´´

de Cecilia Vicuña I EEUU/Chile

 

Devil in the Flesh, 2003, ByN y color, Stereo, 5´

de Ximena Cuevas I México

 

Copacabana, 1983, Super 8 (transferido a digital), color, sonido, 10´08´´

de Vivian Ostrovsky I Brasil

 

Blues Tropical, 1982, Super 8 (transferido a digital), color, sonido, 8´30´´                                                                           de Poli Marichal I Puerto Rico

 

 

SEPTIEMBRE

 

Viernes 7, 19:00: Cine reciclado                                                                                                                    Presenta: Jesse Lerner

Duración: 60 minutos

 

Un noticiero cubano de 1960 (el número 49) muestra a un grupo de seguidores triunfales de la revolución en el techo de las antiguas oficinas de la Warner Brothers y United Artists en Cuba mientras destrozan los carteles de estas distribuidoras hollywoodenses con mazas. Sobre las imágenes de las letras iluminadas gigantes, que caen una a una en orden inverso (R-E-N-R-A-W, la última requiriendo tres golpes), un narrador invisible entona con soberbia y sin la euforia aparente de los seguidores: “Durante largos años, los films norteamericanos envenenaron las pantallas de los cines cubanos, haciendo la apología del imperialismo y predicando la violencia y el crimen. … Ahora podremos ver las películas revolucionarias de todos los países del mundo”. Mediante esta y otras expropiaciones, el nuevo gobierno cubano incautó también infinitos rollos de películas comerciales que más tarde serían fragmentadas y reutilizadas en muchas producciones del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos). La reutilización del metraje de Hollywood (como de fragmentos de otros cines nacionales, incluido el suyo propio) en el cine cubano posterior a la revolución resuena con una tradición importante de apropiación y reciclaje dentro de la historia de la vanguardia latinoamericana. En Manifesto Antropófago, la histórica provocación de 1928 compuesta por Oswald de Andrade, el poeta y dramaturgo polémico exigió la captura y la ingesta: “Solo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago”. La práctica del cine experimental mediante la apropiación de fragmentos de películas preexistentes sugiere las funciones caníbales arquetípicas no solo como paradigma de una práctica cinematográfica crítica, sino también como una estrategia mayor de descolonización y como un modelo contundente para la producción cultural latinoamericana.

 

No D.R., 2002, digital, color, sonido, 1´

de Alfredo Salomón I México.

 

Newsreel 49, 1960, 35mm (transferido a digital) ByN, 1´

Instituto Cubano de Artes e Industrias Cinematográficas I Cuba

 

‘Cowboy’ and ‘Indian’ Film, 1958, 35mm (reducido a16mm y transferido a digital), ByN, sonido, 2´

de Rafael Montañez Ortiz I EEUU

 

Desde la Habana ¡1969! Recordar, 1969, 35mm (transferido a digital), ByN, sonido, 17´

de Nicolás Guillén Landrián I Cuba.

 

El bombardeo de Washington, 1972, 16mm (proyectada como archivo digital), ByN, sonido, 1´

de Luis Ospina I Colombia/EEUU

 

The Big Wack, 2002, digital, ByN, sonido, 2´30´´

de Ricardo Nicolayevsky I México

 

Oración por Marilyn Monroe, 1983, 35mm (transferido a digital), ByN, sonido, 8´

de Marisol Trujillo, Miriam Talavera y Pepín Rodríguez, poema de Ernesto Cardenal I Cuba

 

Apoohcalypse Now, 2002, digital, color, sonido, 8´

de Artemio I México

 

Las mujeres de Pinochet, 2004, digital, color, sonido, 12´

de Eduardo Menz I Canadá/Chile.

 

Las ruinas de Bahía Blanca, 2012, digital, color y ByN, sonido, 5´20´´

de Nicolás Testoni I Argentina.

 

Pobre del cantor, 1978, Super 8 (transferido a digital), color, sonido, 2´

Taller Independiente de Cine Experimental I México

 

Jesse Lerner                                                                                                                                                                    Director y co-curador de Ismo, Ismo, Ismo: Cine Experimental en América Latina (University of California Press – Los Ángeles Film Forum). Es documentalista, curador y escritor. Entre los libros que ha publicado se cuenta The Shock of Modernity. Crime Photography in Mexico City (2007). Sus ensayos críticos sobre fotografía, cine y video han sido publicados en Afterimage, Cabinet, Film History e History of Photography, entre otras revistas de medios de comunicación, antologías y catálogos de exposiciones. Ha organizado diversas exhibiciones y es profesor en el programa de estudios de medios intercolegiales de Claremont Colleges (California).

 

Viernes 14, 19:00: Sueño de maletas y una langosta azul                                                  Duración: 70 minutos

 

De América Latina han surgido varios cineastas reconocidos, incluyendo a Alejandro Jodorowsky y a Rafael Corkidi, cuyas películas se caracterizan por imágenes perturbadoras y oníricas, yuxtaposiciones que tienden a lo absurdo y estrategias propias del surrealismo. Muchos surrealistas europeos que escaparon del fascismo se exiliaron en América Latina, entre ellos Luis Buñuel, quien realizó más de veinte largometrajes en México. Este programa resalta un grupo de cortometrajes no tan conocidos que comparten preocupaciones surrealistas, como por ejemplo La langosta azul, joya histórica filmada en Barranquilla, Colombia. La langosta azul fue grabada en el poblado de La Playa, comunidad de pescadores, a pocos kilómetros de Barranquilla, en el año 1954, en 16mm, silente, con una duración de 29 minutos. Trata de un agente secreto extranjero, llamado El Gringo (personaje interpretado por Nereo López, a quien le ofrecieron el papel por tener los ojos verdes, aunque la película era en blanco y negro), quien investiga la presencia de radiactividad en unas langostas capturadas en un pueblo de pescadores del Caribe. Mientras El Gringo sale del hotel a tomar un descanso, un gato le roba una de las langostas, aparentemente contaminada por la radiación. Este, muy angustiado, sale a las calles del pueblo a buscarla. A la par que esto sucede, la cámara se dedica a documentar los quehaceres de los pobladores y el ambiente que los rodea. Cepeda era enemigo del relato tradicional y decía que el cine es una forma de expresión diferente, que cuando trata de ser literario, teatral o pictórico, fracasa. Las imágenes debían ser en blanco y negro, sin sonido y remitirse a sus propios recursos expresivos. Evocaba como ejemplo la película Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson. La langosta azul no tiene ninguna similitud con la película de Bresson. No es extraño entonces que Cepeda, con su espíritu transgresor y renovador del lenguaje, irradiara a sus amigos de Barranquilla para que continuaran con la experimentación cinematográfica. La película quedó casi cuarenta años sin ser exhibida porque nadie parecía estar muy interesado en ella y porque fue realizada en soporte de 16mm reversible. Por lo tanto, en copia única, sin negativo. Cada exhibición producía daños en la única matriz de la cinta, hasta que en 1990, un internegativo fue providenciado para una exhibición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y la película pudo volver a circular. En el programa también se incluyen cuatro cortos más. Dos son obras tempranas: una fue realizada por el fotógrafo argentino Horacio Coppola mientras estudiaba en la escuela de la Bauhaus (poco antes de que esta cerrara); la otra es una película dirigida por el prolífico cineasta chileno Raúl Ruiz. Finalmente, el recientemente fallecido Luis Ernesto Arocha, también de Barranquilla, está presente en este programa con un estudio sobre las esculturas de Bernardo Salcedo.

 

La langosta azul, 1954, 29´

de Álvaro Cepeda Zamudio y Gabriel García Márquez I Colombia

 

La maleta, 1963-2008, 16mm (transferido a digital), ByN, sonido, 20´

de Raúl Ruiz I Chile

 

Traum [Sueño], 1933, 16mm (transferido a digital), ByN, silente, 2´

de Horacio Coppola I Argentina

 

Las ventanas de Salcedo, 1966, 16mm, ByN, sonido, 6´

de Luís Ernesto Arocha I Colombia

 

El dedal de rosas, 1998, color, sonido, 13´

de Mariana Botey I México

 

Viernes 21, 19:00: Materia oscura: resistencia colectiva, individual y paródica

Duración: 74 minutos

 

El cine experimental en América Latina -creado durante golpes militares, guerras civiles, diversos regímenes autoritarios e invasiones de los Estados Unidos- no ha escapado del impacto de distintos levantamientos sociales y diversas formas de violencia. En muchos de estos contextos, la resistencia -e incluso el comentario social-, puede ser un proyecto precario y muchas veces peligroso. El presente programa explora algunas de estas expresiones. En los ochenta, durante la guerra en El Salvador, el colectivo Los Vagos realizó varios documentales y una película de ficción: Zona intertidal, un tratamiento poético del asesinato político de un profesor de izquierda perpetrado por los escuadrones de la muerte. En 2014, en el pueblo de Iguala, al sur de México, 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa fueron detenidos por los militares y entregados a una organización criminal local. Un grupo de especialistas forenses solo ha podido identificar los restos de dos de los estudiantes desaparecidos, de entre las numerosas fosas clandestinas que se descubrieron durante la investigación. Bruno Varela hace un comentario sobre este proceso en Materia oscura (2016). Zigmunt Cedinsky crea una pieza satírica en La guerra sin fin (I’m very Happy) (2006), mientras que en Impresión de una guerra (2015) el cineasta colombiano Camilo Restrepo visita fábricas textiles, tatuadores, imprentas y conciertos de punk rock para ofrecer una reflexión ensayística del legado de décadas de guerra en su tierra natal.

 

Zona intertidal, 1980, 16mm, color, sonido, 14´                                                                                                            de Grupo Los Vagos I El Salvador

Tristezas, 2016, digital, color, sonido,  7´                                                                                                                                                         de Paz Encina I Paraguay

Materia Oscura, 2016, digital, ByN y color, sonido, 8´                                                                                               de Bruno Varela I México

Post-Military Cinema, 2014, HD video, color, sonido, 11´                                                                                                de Bea Santiago Muñoz I Puerto Rico

La Guerra sin fin (I’m very happy), 2006, 35mm, color, sonido, 7´30´´                                                                      de Zigmunt Cedinsky I Venezuela.

Impresión de una Guerra, 2015, 16mm/DCP, color, sonido, 26´                                                                               de Camilo Restrepo I Colombia/Francia

 

Viernes 28, 19:00: Programa a confirmar

 

OCTUBRE

Viernes 5, 19:00: Programa a confirmar

Viernes 12, 19:00: Valérie Mrejen (Francia)

 

NOVIEMBRE

Viernes 9, 20:00: El cine es otra cosa en asociación con la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM).

Viernes 16, 20:00: Programación conjunta El cine es otra cosa + Escuchar [Sonidos visuales].

 

 

Escuchar [Sonidos visuales]

 

OCTUBRE

Viernes 5, 20:00: Concierto audiovisual artista argentina a confirmar.

Sábado 6, 20:00: Concierto audiovisual artista internacional a confirmar.

Domingo 7, 20:00: Escuchar MINI. Concierto participativo para niños.

 

NOVIEMBRE

Viernes 16, 20:00: Programación conjunta Escuchar [Sonidos visuales] + El cine es otra cosa.

Concierto de Javier Piñango y Juan Antonio Nieto (España) + artista a confirmar.

Sábado 17, 18:30: Conversación con Julien Bayle (Francia).

Sábado 17, 20:00: Audiciones. Artistas argentinos emergentes.

Domingo 18, 20:00: Concierto de Julien Bayle (Francia).

Total
128
Shares

Dejá un comentario