«Neeson eleva el proceso con su entrega y su ágil ritmo cómico. ‘Una villa en la Toscana´ te hará desear que el actor haga más comedia».
The Hollywood Reporter

«Si ‘Una villa en la Toscana’ fuera una receta, Neeson sería su principal fuente de condimentos. Valeria Bilello está verdaderamente encantadora».
The Boston Globe

«Dulce y sentimental. Neeson hace brillar a su personaje».
Movie Nation

La película está dirigida por James D’Arcy, conocido por su faceta actoral en películas como «Master and Commander: Al otro lado del mundo» o «Dunkerque». Además de las actuaciones de Liam Neeson, nominado al Oscar en 1993 por su papel en «La lista de Schindler», y de su hijo Micheál Richardson («Venganza bajo cero»), también aparecen Valeria Bilello (serie de TV «Sense8») y Lindsay Duncan («Le Week-End», «Una cuestión de tiempo»).

ELENCO

Liam Neeson, Micheál Richardson, Valeria Bilello, Lindsay Duncan, Gian Marco Tavani, Marco Quaglia, Helena Antonio.

Liam Neeson y su hijo se reencuentran en el idílico paisaje de la Toscana para reconstruir una historia llena de recuerdos dolorosos. La casa opera como metáfora del pasado familiar del que buscamos desprendernos sin entender su significativo valor y permanencia. Una Valeria Bilello subyugante, aporta el modelo effortless de belleza italiana en su cuota justa.

Mirá el trailer de Una Villa en la Toscana

FICHA TÉCNICA

Director y guionista: James D’Arcy
Productor: Pippa Cross, Nicola Serra, Sam Tipper-Hale
Fotografía: Mike Eley
Montaje: Anthony Boys, Ellier Dov

DATOS TÉCNICOS

Título original: Made in Italy
Año: 2020
Duración: 94 min.
País: Reino Unido

Agradecimiento: Analía Sanchez Prensa

Haciendo pleno uso de sus propias instalaciones, el Ciclo Dialog desarrolla un nodo/concepto artístico que se renueva mes a mes, ofreciendo funciones todas las semanas, como si se tratara de activaciones en una exposición de arte temporal.

El dialogo entre las distintas disciplinas y la magia del espacio, proponen cada semana una propuesta diferente que sorprende al espectador.

Artlab – Dialog 2 – © Pablo Mekler 2022

Música, arte digital, artes visuales, arte sonoro, música electrónica, performances, diseño, moda, artes escénicas, y arte lumínico tiene en cada edición un concepto curatorial específico a cargo de Marianella Baladán.

Dialog llega a la escena artística mundial, actuando como moderador entre diferentes artistas y lenguajes, dando espacio a nuevos significados creativos e impulsando el diálogo de la comunidad con el arte.

Situada en la era digital, se podría pensar que todos los aspectos relacionados con la comunicación deben ser resueltos. Más aún, si se tuvieran en cuenta los infinitos recursos que proporciona la tecnología actual, recursos capaces de ponernos en contacto en tiempo real y sin fronteras geográficas.

Pero, ¿se están comunicando los seres humanos en el tiempo actual? Distintos expertos en la materia proponen que cada día crece la distancia entre las personas, incluso entre quienes están físicamente cerca.

Artlab – Dialog 2 – © Pablo Mekler 2022

Según David Bohm, físico estadounidense y figura clave del pensamiento científico del siglo XX, existe una herramienta ideal para recuperar la comunicación: el diálogo. En general, las personas tienden a creer que efectivamente ponen en práctica sus capacidades de diálogo en cada interacción humana.

“Como especifica Bohm, deberíamos preguntarnos si verdaderamente transmitimos nuestras ideas y escuchamos las ideas de los demás, sin prejuicios y sin pretender imponer nuestras propias creencias. El desafío que esto presenta es una nueva forma de ver las cosas, urgiéndonos a silenciar los pensamientos individuales, co-creando una conciencia colectiva que suma voces y une diferentes puntos de vista.”

“Con ese espíritu dialógico como piedra fundacional de su filosofía, llega al escenario artístico argentino: Dialog. El sello discográfico que hace de la comunicación su materia prima. Planteado como un nuevo espacio de negociación creativa, este proyecto incubado en nuestra plataforma, promueve la interacción entre estilos musicales de diferentes culturas y los diversos géneros de la música electrónica, proponiendo un fluido intercambio interdisciplinario.”

“En esta acción artística colaborativa, cada género aportará su propia impronta, cubriendo así todo el espectro estilístico: desde los sonidos orgánicos hasta los más sintéticos, industriales, oscuros o texturizados, siempre respetando un mismo concepto curatorial. Las propuestas sonoras resultantes llegan al público ofreciendo una experiencia sonora inmersiva, transportándolo a un universo que se expande día a día en una red de multiversos acústicos.”

“Bohm sostiene que el diálogo se puede sostener entre una infinidad de personas, empoderándose como una nueva corriente, que fluye entre los involucrados que co-crean, este es el pegamento de quienes logran el diálogo y es el principal objetivo de nuestra plataforma.”

“Dialog llega a la escena artística mundial, actuando como moderador entre diferentes artistas y lenguajes, dando espacio a nuevos significados creativos e impulsando el diálogo de la comunidad con el arte.”

Artlab – Dialog 2 – © Pablo Mekler 2022

Durante los cuatro miércoles de julio, el nuevo programa plantea un primer movimiento con una instalación performativa en la Galería. Banquete Royal, de Damián Mai y Mechi Beno Mendizábal, con Lucía Gómez, Lucía Palacios y Felipe Saade, es una adaptación ad hoc de la obra Les Reyes (proyecto seleccionado por Bienal de Arte Joven 2022). Una tragedia isabelina fragmentada, remixada, donde cuerpos virtuosos y vestuarios excesivos develan la exótica miseria de quienes detentan el poder. La obra dialogará con la escenografía digital de Federico Lamas y la electrónica experimental de Jorge Haro.

Artlab – Dialog 2 – © Pablo Mekler 2022

Todo continúa en el escenario de la Sala Hi Fi con una sesión de improvisación donde Bruno de Vicenti y Symi ofician de músicos residentes y recibe el miércoles 20 de julio al legendario Carlos Show como invitado especial. Bruno de Vicenti aporta su savoir faire y contagioso groove mientras que Symi es una joven artista participante del programa Amplify D.A.I., desarrollado por el British Council y Artlab. Los músicos invitados para participar de la jam cambian todas las semanas. Post show, el DJ set de Leo Portela se encarga balancear las energías desde las bandejas. Ambas performances musicales, estarán acompañados por las visuales del artista digital Federico Lamas que brindará un increíble VJ set inspirado en el estilo barroco con un toque muy personal y la ironía contemporánea.

Dirección Artística: Gonzalo Solimano | Curaduría General: Marianella Baladán | Programación: Roni Isola & Sofi Fernández | Producción: Artlab | Fotos: Pablo Mekler

Artlab es parte de la red internacional del Festival de Creatividad Digital MUTEK, uno de los eventos de arte y tecnología más grandes del circuito mundial.
Trabaja activamente articulando proyectos en alianza con British Council, Alliance Française, Goethe Institute, Canada Council for the Arts, Fundación Japón, Somerset House Studio, CBA Cultura y las universidades: UNTREF y UNSAM.
A través del programa Artlab Artist-In-Residence, invitamos a artistas sonoros y visuales de todo el mundo a trabajar juntos, utilizando el espacio de nuestro Estudio como laboratorio de experimentación interdisciplinar.
En marzo de 2022, Artlab fue distinguido como Centro Cultural Argentino, ampliando nuestro radar de acción.

ArtLab Roseti 93 – CABA – Buenos Aires | Tickects:artlab

Agradecimiento Leandro Frías ARTLAB | Responsable de Prensa

La versatilidad de Arturo Sandoval se puede escuchar en grabaciones con todos, desde Dizzy Gillespie, Woody Shaw, Michel Legrand, Josh Groban, Tony Bennett, Bill Conti y Satan Gettz hasta Frank Sinatra, Paul Anka, Rod Stewart y Alicia Keys, entre los más destacados. Ha actuado con John Williams, Los Boston Pops y en el Super Bowl junto a Tony Bennett y Patti LaBelle.

En el arte de Claudia del Río se encuentra presente todo el tiempo una ideología cuyo lema principal es “tomar las imágenes está bien”. En sus obras todo se vuelve usar, todo se recupera, a las cosas se les da una segunda oportunidad. No hay necesidad tecnológica, sino reasignación de recursos. Para Claudia del Río, la economía de los materiales es una posición ideológica: el arte tiene que estar hecho con lo que ya está en el mundo.

 

La muestra puede visitarse de lunes a viernes de 13 a 17 h, en Viamonte 452.

Agradecimientos: Micaela Carlino ( Grupo Mass+)

“Estoy recontra cebado, esta es una nueva etapa de LOUTA, que no soy solo yo. Louta abarca un montón de gente y es un proyecto cuyas fronteras artísticas se expanden más allá de lo musical.

LOUTA es como un planeta o una gran orquesta que abarca muchas cosas, mucha gente y que va a estar en interacción con otros artistas de todo tipo. Estamos muy ansiosos por salir a girar por todos lados con el show y la nueva música que se viene”, confiesa Jaime James.QUEREME (Sony) viene acompañado por un video dirigido por el mismo Jaime James. Las imágenes recuerdan a la célebre obra “El dormitorio en Arlés” que el magnífico Vincent Van Gogh pintó en 1888. En este caso, Louta y Wos se encuentran en el container de un camión, en pleno movimiento.

En el marco del lanzamiento de QUEREME, se desarrolló una instalación artística recreando exactamente el videoclip de la canción. El contenedor, ubicado en Avenida Santa Fe y Juan B. Justo -una de las esquinas más transitadas de la Ciudad de Buenos Aires-, estará durante toda la semana posterior al estreno y es una invitación a sumergirse en el mundo de LOUTA, una experiencia única.

Agradecimientos: Marina Belinco

El artista también participó con la misma galería en Este arte 2022, en la octava edición de la feria de arte contemporáneo que tuvo lugar en el Centro de Convenciones de Punta del Este.

Azul Caverna nació en Mendoza en 1979. Expuso en arteBA (2015, 2016, 2017 y 2019), PARC (2016) y ArtLima (2017). Participó en muestras individuales y colectivas.

“Estudio el vacío para llenarlo con color. Trabajo en representar un orden simulado, donde la percepción de perfección cuestione al equilibrio, al que concibo sólo como un inicial y necesario estrato pre-caótico. Planteo una abstracción de aislamiento, ascética, desplegada en la tradición de la composición geométrica más simple. Encuentro en la síntesis una vía profunda para establecer conexión con mis colores, proporciones y formas. Trato de entender una disciplina guiada históricamente por movimientos grupales, y me pregunto si el influjo de las vanguardias personales actuales se constituirá alguna vez en una fuerza colectiva”.

Unicornio detrás de círculo azul _ Óleo y lápiz sobre tela _ 45cm x 45cm

A veces, una exhibición es una instancia para poner a prueba un camino o experimento plástico que recién comienza. Otras, es el punto de llegada de una serie de ejercicios, obras mayores y exposiciones previas. Esta exhibición que usted recorre responde a lo último: Azul llega hasta aquí luego de un largo recorrido formal y conceptual. En series anteriores, nos mostraba cómo sus figuras planas cobraban cuerpo y se volvían actores con agencia sobre el plano del lienzo. ¿Cómo lo lograba esto? con la proyección de las sombras, las cuales señalaban que esas figuras no eran tan bidimensionales como parecían y que podían hacer cosas: moverse, retorcerse, estrangularse, expandirse.

Rodriguez Iglesias Curadora y critica de arte

Azul Caverna (Mendoza, Argentina 1979)

Su trabajo se conforma por pinturas, videos, e instalaciones en línea con la abstracción y la geometría. Es autodidacta. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Exhibiciones destacadas

2020 El verano invencible, Galería del Paseo, Punta del Este, Uruguay.

2019 La expansión del vacío, Galería María Calcaterra, Buenos Aires, Argentina; Arteba 2019 (Galería del Paseo), Buenos Aires, Argentina.

2018 I will find a horse to feed the apples, Liga Buenos Aires, Argentina / Arteba 2018, Buenos Aires Argentina.

2017  El movimiento de lo intacto, Galería del Paseo, Punta del Este, Uruguay; Arteba 2017, Buenos Aires, Argentina; ArtLima 2017, Lima, Perú.

2016  Encuentros invisibles (Azul Caverna y Martina Quesada), Galería del Paseo, Punta del Este, Uruguay; Arteba 2016 (Galería del Paseo), PARC 2016 (Galería del Paseo)

2015  Teatro para uno solo, SlyZmud, Buenos Aires; Arteba 2015 (Galería del Paseo)

2014  Interfaces, Galerie Zeitkunst, Kitzbühel, Austria; Rectas Coincidentes (Azul Caverna y Martina Quesada), SlyZmud, Buenos Aires, Argentina;  Arteba 2014 (SlyZmud), Buenos Aires, Argentina

2013  Caverna, Galería Van Riel, Buenos Aires, Argentina; Arteba 2013 (Galería Van Riel).

Agradecimientos: MIcaela Carlino Mass+

Centrada en el arte regional la feria comienza a consolidarse después de años de trayectoria y trabajo dedicados a difundir y celebrar los artistas y galerías que participan. Entrevistamos a Laura Bardier creadora del proyecto y directora de Este Arte, para hablar de los cambios y transformaciones que se vivieron, las nuevas plataformas de difusión que integran y los protagonistas de esta nueva edición.

¿Como vivieron desde Este Arte la evolución de la pandemia?

La pandemia también fue una oportunidad, necesitábamos reordenarnos. Lo que hicimos durante el lockdown fue desarrollar un nuevo proyecto que llamamos Este Journal y un conjunto de podcasts. El journal nace de una idea que me interesa muchísimo desde hace tiempo que es la crítica de arte. Sentía que faltaba algo que conectara con la reflexión en el marco de textos vinculados al arte contemporáneo….

¿El Journal de Este Arte es un proyecto para la elaboración de pensamiento crítico?

La idea con este proyecto es comenzar a generar un discurso sobre el mundo del arte y de la crítica de arte. En general son los críticos de arte los que analizan obras, y exposiciones y los que generan textos con base académica con respaldo de investigación. Yo sentía que faltaba esto en Uruguay.  Después del fallecimiento de Nelson Di Maggio, para mi uno de los críticos más importantes que dio el país, había espacio y pensamos que podíamos ubicarnos ahí.

Di Maggio había estudiado con Jorge Romero Brest?

Exacto, y hoy hay toda una nueva generación que quiere expresarse, y no sé si hoy cuenta con los canales adecuados de expresión. Los espacios que existen son muy pocos y muy pocos los lugares para experimentar y presentarse con esos textos. El proyecto fue dearrollar un nuevo espacio que permita abandonar el registro informativo o periodístico para abordar el pensamiento crítico. Todo esto apareció un poco a partir del Covid y la repensar la feria bajo un formato virtual.  Y funcionó super bien.

Se negaron a abordar la feria bajo un formato totalmente virtual…

Yo tengo una mirada sobre todo esto. Viendo Marvel o los juegos de realidad virtual esos escenarios nos plantean una exigencia de calidad que para mí no es posible alcanzar con el formato que hoy ofrecen las ferias virtuales. Por supuesto hay un vintage intencional que es algo buscado y muy cuidado, eso si me gusta. Ahora yo me puse a pensar… cuál es el corazón de la feria. ¿Cuál es la razón por la que hacemos la feria? Básicamente el encuentro con personas, conversar con otras personas, intercambiar, tomar una copa de vino, conversar sobre los contenidos, repensar las preguntas que hace el público a los galeristas, la narrativa del arte… conceptos y temáticas.

Yo quería recuperar los contenidos, y también hablar de arte… de manera inteligente. Así nació “Este Journal”, y comisionamos 15 artistas, periodistas, escritores uruguayos para que hicieran con carta blanca un trabajo. La idea era darle también oportunidad y voz a gente que se está iniciando en el proceso de la escritura de arte.

¿Este Journal tuvo la respuesta que esperaban?

La respuesta fue excelente. Funcionó y por pedido del público vamos a seguir haciéndolo si tenemos apoyo, la feria quiere ofrecer nuevas opciones de ser un profesional en el mundo del arte. Que quiero decir con esto, que se entienda que no solo siendo artista o galerista se participa del mundo del arte. Es un producto específicamente pensado para el público y artistas uruguayos que quieren saber como funciona el mercado del arte. Lo mismo con los podcasts…

Romper con el prejuicio del arte como un universo cerrado…

El arte siempre fue un ámbito de inclusividad, nosotros siempre luchamos por esa inclusividad. La feria siempre exigió que las galerías tuvieran una artista mujer para participar. En el arte hay diversidad y queremos reflejarla.

Ahora se suma al plan de cultura de cooperación la nueva Fundación de Amalia Amoedo.

Si, hubo nuevas incorporaciones, ya veníamos trabajando en la articulación con instituciones y organismos públicos y privados. La feria creció y se fueron sumando otras presencias regionales. Para nosotros se trata de seguir en la misma línea y volverlo parte de la evolución. El trabajar en colaboración y sinergia con todos los participantes es para nosotros algo fundamental y parte de lo que siempre hicimos. Simplemente, este año lo comunicamos mejor.

Este Arte se ha consolidado y ha llegado a un grado de madurez consolidándose como una de las ferias más importantes de la región.

A veces me dicen hay quienes quieren hacer una feria, bueno para mi bienvenida sea cualquier propuesta que se sume.  No es nada fácil este tipo de emprendimientos. El hecho que Amalia Amoedo tenga sus residencias y Atchugarry inaugure su museo. O Campo que ya existía en Pueblo Garzón. Cuando me preguntan como se ve el mercado del arte del Uruguay. La pregunta es otra para mí. Estos proyectos empiezan de la mano de privados, pero con apoyo del sector público. Pienso en la feria de Bogotá una de las mejores de la región sin duda. En ese caso por ejemplo la feria es propiedad de la Cámara de Comercio de la Ciudad de Bogotá. Lo mismo Art Basel, es propiedad de la Ciudad de Basilea.  Para terminar a veces lo que falta es planificación de largo plazo. Son resultados que se ven en el largo plazo.

Este año se suma la galería Ruth Benzacar y Cosmocosa de Argentina.

Si a estas galerías ya las habíamos convocado en el pasado, nos han acompañado otros años. Hoy Europa es un destino complejo por la evolución de la pandemia y hubo una evolución a formatos más locales apoyando proyectos de carácter local.  En otros momentos tuvimos proyectos internacionales y no tuvimos tanto espacio para algunas propuestas y galerías de la región. Son momentos y hay que entenderlos como oportunidades, me gusta ver las cosas así.

Una pequeña perla de esta edición es que vamos a tener 4 obras hechas con polvo de diamante de Vik Muñiz que trae Xippas, cuatro retratos de Marilin Monroe.

Va a ser una edición imperdible Tuvimos una pausa, hay que verlo así. Hoy vamos con mucha cautela. Apostamos a la empatía.  después de mucho tiempo volvimos con la misma responsabilidad para generar un contenido de calidad ante el equipo y las galerías. Este Arte nunca fue un proyecto masivo sino un proyecto a escala humana, afortunadamente no tuvimos necesidad de reducirnos.

Agradecimientos: Laura Bardier, Solange Clavermater, Elisa Valerio

Daniel Moon, uno de los coloristas más reconocidos de la cultura pop, es considerado un verdadero creador de tendencias y un artista. Su salón, Hair Los Ángeles, es alabado por popularizar colores de pelo no convencionales para todos los géneros, así como por animar a personas de todas los edades, géneros y orígenes a expresar su individualidad a través del color, lo que se alinea con la visión de Reebok y su enfoque en la igualdad y la inclusión. El compromiso de la marca por fomentar la creatividad y la autoexpresión fue lo que los condujo a Daniel Moon, quien personifica el arte de la individualidad.

Antes de dedicarse al colorismo y a la creación de productos, Moon sirvió en el Cuerpo de Marines, donde la uniformidad que lo rodeaba alimentó sus deseos de creatividad. Su apodo, “Major Moon”, hace referencia a esta experiencia, y la colaboración Major Reebok no es más que un nuevo capítulo en la historia de Moon desafiando y modificando ideales tradicionales. “Tras completar mi servicio, en un ambiente en el que el estilo de pelo estaba muy estandarizado, hice un voto por entregarme de lleno a la autoexpresión”, cuenta Moon al hablar de la colección. “Tengo productos como el Major Moonshine, un gel escarchado para el pelo, y el Major Apron, un delantal, así que veo el calzado, Major Reebok, como una armadura que completa el colorido vestuario de Major Moon, de la cabeza a los pies”.

Daniel es famoso por sus exclusivos procesos de coloración que tratan el cabello como un arte; sus creaciones son icónicas y reconocibles al instante. A menudo se le pide que colabore con artistas que utilizan el color de su pelo para reflejar el momento en que se encuentran en sus vidas. Dado que dos de las emociones más universales son la alegría y confianza renovada que aportan un nuevo look y un nuevo par de zapatillas, su objetivo fue combinar ambos sentimientos en una misma cápsula. Cada silueta de Major Reebok incorpora colores vibrantes, con la esperanza de que quien los use sienta la misma positividad y recarga de brillo que reciben los estilos característicos de Moon.

“La plantilla de los Classic Leather Legacy es una fotografía de un look real en el que trabajé”, explica Moon. “Sirve como una especie de plano para el modelo”. La paleta de colores de los Classic Leather Legacy está inspirada en los colores de pelo más populares y que más le piden a Moon, mientras que el material de cuero del talón le recuerda al estilista a una cabeza rapada.

La segunda silueta, Club C Legacy, presenta una vibrante paleta de colores verde y rosa brillante. “Estos colores representan la misma sensación de ‘hiper libertad’ que mi arte capilar aporta a mis clientes”, describe Moon. “Es como si los colores entrarán instantáneamente a tu torrente sanguíneo y cambiaran su estado de ánimo a un nuevo y exagerado nivel de diversión”. Los materiales translúcidos incorporados en las zapatillas están inspirados en el Major Apron, el delantal funcional y de moda de Daniel Moon usado por estilistas de todo el mundo. Tanto los Club C Legacy como los Classic Leather Legacy incluirán también un par de cordones peludos, inspirados en la experiencia de Moon como estilista.

Reebok x Daniel Moon ya está disponible en www.reebok.com.ar y en las tiendas oficiales de  Digital Sport (www.digitalsport.com.ar), Sporting ( www.sporting.com.ar) y Solo Deportes (www.solodeportes.com.ar).

Seguí todas las novedades en @reebokargentina

#REEBOKXDANIELMOON

El espacio abre el 28 de Diciembre con una retrospectiva de la artista Marcia Schvartz. El ciclo de muestras continuará de manera ininterrumpida hasta abril con muestras de Nicolás Guagnini, Cristina Schiavi y Oscar Boni.

Walden naturae es el nuevo espacio de exhibición de Pueblo Garzón en Maldonado, Uruguay. La galería cuenta con un programa anual que combina exhibiciones históricas y contemporáneas en todas las disciplinas y medios, en un espacio propio de 500 metros cuadrados.

Rodeado de colinas, olivos, vides y cercana al océano, activa y cultiva su entorno único con iniciativas agrícolas, ecológicas y artísticas, creando un contexto idílico. En su compromiso con el ecosistema del lugar, contará también con un espacio destinado a la pernacultura y trabajará en la recuperación del bosque nativo, combinándolo con un parque de esculturas.

El nuevo espacio desembarca en Garzón con una importante agenda de artistas, diversas iniciativas culturales y un fuerte compromiso con su entorno natural

Walden naturae es el nuevo proyecto de Ricardo Ocampo, director y fundador a su vez de waldengallery. Su objetivo principal es integrar la experiencia de la galería al entorno de Garzón, a través del constante diálogo entre el arte y la naturaleza. A su vez, fomenta el intercambio permanente entre artistas de distintas generaciones, además de un nutrido calendario anual de exposiciones.

El proximo año Walden integrará un programa de residencia para coleccionistas y artistas.

Exhibiciones:
01- Programa / Marcia Schvartz 28 dic – 13 enero
02- Programa / Nicolás Guagnini 15 enero – 01 de febrero
03- Programa / Cristina Schiavi 04 de febrero – 28 de febrero
04- Programa / Oscar Bony 12 de marzo – 16 de abril

Walden Naturae Calle De los Cerrillos y Pasaje del Faro
Pueblo Garzón – CP 20498
Maldonado / Uruguay
info@waldennaturae.com
T 091221977

Agradecimiento Micaela Carlino Mass+

Inspirada en el Lexus LF-Z Electrified Concept car, la instalación está marcada por la electrificación, la tecnología y el diseño. Fue concebida como un guiño al compromiso de la marca Lexus con el lujo, la tecnología intuitiva y el uso reflexivo de la electrificación para ayudar a trazar un camino hacia un futuro carbono neutral.

Lexus develó “ON/ at Design Miami/”, presentando la visión de Germane Barnes y su equipo de la Universidad de Miami, inspirada en el poder y el potencial del LF-Z Electrified Concept car de Lexus, y que introduce nuevos principios de electrificación al espíritu de la marca. La instalación, que se estará presentando en la edición 2021 de Design Miami/, conceptualiza el enfoque de diseño y artesanía centrado en el ser humano y orientado al futuro que comparten la marca automotriz y Barnes. Su título alude a un interruptor on/off como una visión de un futuro carbono neutral impulsado por tecnología eléctrica. ON/  crea un entorno diseñado para atraer a espectadores de todas las edades, proporcionando una experiencia que es visualmente dinámica e interactiva al tiempo que ofrece un espacio agradable para recargar energías y reflexionar.

La instalación está centrada en torno a una interpretación escultórica a escala, tridimensional, del LF-Z Electrified Concept car renderizado en acero e iluminado con LED. El bastidor del automóvil brilla y está suspendido sobre el suelo. Dos columpios completan la muestra, cada uno suspendido dentro de arcos iluminados haciendo referencia a la arquitectura clásica que es a la vez fundamental para el diseño de la infraestructura cívica y central para el currículum de la Universidad de Miami, aludiendo a una puerta de entrada entre nuestro presente y las posibilidades del futuro. Este arco hace eco en los muebles con iluminación LED diseñada por Barnes y su equipo específicamente para la instalación, proporcionando áreas discretas para el descanso, reflejando el compromiso de la marca con el principio de omotenashi (hospitalidad excepcional).

Toda la instalación está unificada por un esquema de iluminación único, diseñado para permitir la participación de usuarios de todo el mundo a través de un modelo virtual interactivo presentado junto con la muestra.  Se invita a los participantes a crear sus propios diseños de iluminación, alterando el color de varias partes, incluidas las paredes, el automóvil, los columpios y los muebles. Barnes y su equipo seleccionarán una serie de diseños generados por los usuarios, destacando la visión creativa de las propuestas de todo el mundo.

“Como marca global con compromiso en los principios de diseño japoneses takumi (artesanía experta) y omotenashi (hospitalidad excepcional) y una misión para construir hacia un futuro carbono neutral, Lexus encarna elementos que son principios esenciales de diseño de alta calidad del presente, al tiempo que veo reflejado mis valores personales. Diseñar para un futuro colaborativo, sustentable, equitativo y que priorice las experiencias únicas de las personas es tanto una fuerza impulsora de mi práctica como de mi trabajo con estudiantes aquí en la Universidad de Miami.  A medida que Design Miami/ comienza, estamos entusiasmados en ver cómo el público se involucra con la instalación, tanto en persona como virtualmente, y hace propia nuestra visión para el futuro “, comentó Germane Barnes, profesor de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami.

Este concepto refleja un compromiso con el diseño de la próxima generación y fue desarrollado por Germane Barnes, Arquitecto de Studio Barnes, Profesor en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami y Director del CHIL Lab, en estrecha coordinación con su equipo de la Universidad y en el estudio.  El equipo central del proyecto incluyó a las estudiantes Isabella Adelsohn, Mahlia Jenkins y Andrea Martínez de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami, junto con Indrit Alushani, profesora y gerente del laboratorio RAD y Rodolphe el-Khoury, decano de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami.

“Estamos encantados de traer este increíble proyecto de Germane Barnes y la Universidad de Miami a Design Miami/ en nuestro cuarto año de asociación con la feria”, comentó Brian Bolain, jefe global de marketing de Lexus. “A medida que miramos hacia el diseño de la próxima generación, este proyecto nos ha dado la oportunidad de resaltar el compromiso de Lexus con la electrificación mientras trabajamos en estrecha colaboración con los estudiantes de UMiami, que son increíblemente talentosos y realmente representan el futuro del diseño y la innovación”.

Regresando como socio automotriz por cuarto año en Design Miami/, Lexus presentará otra entrega de su serie Lexus Art & Innovation de larga data con Whitewall del 30 de noviembre al 1 de diciembre. Participarán como oradores Dror Benshetrit, Harry Nuriev, Thomas Coldefy, Sarah Meyhoas, Gretchen Andrew, Refik Anadol, Lee Quinones, Yves Béhar, Cathy Leff, Rudy el-Khoury, Brian Bolain, Kevin Hunter; y los moderadores Tamara Warren, Alessandro Possati, Katy Donoghue y Laurent Moïsi, entre otros, además de Germane Barnes, quien participará en los paneles Fertile Ground: Shaping the Next Generation of Designs el martes 30 de noviembre a las 4:30 PM y  Electrification and Beyond: How Tech is Shaping What Comes Next el miércoles 1 de diciembre a las 11:30 AM. Design Miami/ se llevará a cabo del 1 al 5 de diciembre de forma virtual y en persona en el Centro de Convenciones de Miami Beach.

El press-kit incluye un documental detrás de escena, fotografía de alta resolución, video CGI, al que se puede acceder aquí.

EL EQUIPO DE DISEÑO

Indrit Alushani, Profesor y Gerente del RAD Lab en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

Isabella Adelsohn, estudiante de 3er año en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

Mahlia Jenkins, estudiante de 4º año en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

Andrea Martínez, estudiante de 3er año en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

Rodolphe el-Khoury, Decano de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

Donnie Navarro-Garcia, diseñador arquitectónico y profesor de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

Ana María Regalado, Decana Asociada, Programas de Desarrollo Estudiantil en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami

ACERCA DE GERMANE BARNES

Germane Barnes es el arquitecto principal de Studio Barnes, y profesor asistente y director del Community Housing & Identity Lab (CHIL) en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami. La práctica de Barnes investiga la conexión entre la arquitectura y la identidad, examinando la postura social y política de la arquitectura a través de la investigación histórica y la especulación del diseño. Creyendo firmemente en el diseño como proceso, aborda cada condición impuesta a un proyecto como una oportunidad de transformación.

Su trabajo se ha exhibido recientemente, en la innovadora exposición del Museo de Arte Moderno, Reconstructions: Architecture and Blackness in America, en 2020, y en la Bienal de Arquitectura de Chicago 2021. Fue ganador del Premio de la Liga de Arquitectura 2021 para Jóvenes Arquitectos y Diseñadores, y es miembro del Premio Roma 2021-2022 del American Academy en Roma. Con su propuesta ganadora para el prestigioso Premio Wheelwright 2021 de la Escuela de Diseño de Harvard, Anatomical Transformations in Classical Architecture, Barnes examinará la arquitectura clásica romana e italiana a través de las contribuciones de la diáspora africana. Barnes recibió una Licenciatura en Ciencias en Arquitectura de la Universidad de Illinois en Urban-Champaign y una Maestría en Arquitectura de la Universidad de Woodbury, donde fue galardonado con el Premio de Tesis por su proyecto Symbiotic Territories: Architectural Investigations of Race, Identity, and Community.

SOBRE LA ESCUELA DE ARQUITECTURA Y LABORATORIOS Y CENTROS

La Escuela de Arquitectura de la Universidad de Miami, que inscribe a más de 500 estudiantes en programas de grado y posgrado, está a la vanguardia de la preparación de estudiantes para el liderazgo profesional en arquitectura, urbanismo y campos relacionados. La escuela emplea la investigación, el compromiso profesional y la práctica creativa para avanzar en el conocimiento, la tecnología, la responsabilidad ambiental, la equidad social y la sustentabilidad económica.

La Escuela de Arquitectura administra una serie de laboratorios y centros, cada uno desarrollado en torno a un área de investigación emergente clave dentro del campo de la arquitectura, trabajando con la facultad para aportar conocimientos especializados al programa. Las áreas de investigación abarcan el impacto social y político, la exploración de la realidad aumentada y los futuros digitales, la fabricación digital y robótica, y el urbanismo.

Con la colaboración entre los laboratorios, los proyectos han incluido la exposición Miami Highrise, en la que diez edificios icónicos de gran altura de Miami impresos en 3D se integraron en la tecnología de realidad aumentada y Dark Mode, una exposición que observa la espacialización del Black Body en Miami.

Adicionalmente funcionando para desarrollar una red ampliada fuera de la escuela, los laboratorios y centros brindan nuevas oportunidades para la participación de estudiantes y profesores, que recientemente ha incluido la exposición Reconstructions del Museo de Arte Moderno, la Bienal de Arquitectura de Chicago 2021 y el diseño comunitario para Delray Beach, Florida.

ACERCA DE LA UNIVERSIDAD DE MIAMI

La Universidad de Miami es una universidad privada de investigación y un sistema de salud académico con una capacidad geográfica distinta para conectar instituciones, individuos e ideas en todo el hemisferio y en todo el mundo. La vibrante y diversa comunidad académica de la Universidad comprende 12 escuelas y colegios que atienden a más de 17,000 estudiantes de grado y posgrado en más de 180 especializaciones y programas. Ubicada dentro de una de las ciudades más dinámicas y multiculturales del mundo, la Universidad está construyendo nuevos puentes a través de las fronteras geográficas, culturales e intelectuales, aportando una pasión por la excelencia académica, un espíritu de innovación, un respeto por incluir y elevar diversas voces, y un compromiso para abordar los desafíos que enfrenta nuestro mundo.

ACERCA DE DESIGN MIAMI/

Design Miami/ une el mundo a través de un extraordinario diseño, con ferias y experiencias en vivo en cuatro continentes que reúnen galerías, estudios de diseñadores, marcas, expertos, coleccionistas y entusiastas, y designmiami.com, un marketplace de abundante contenido. Cada edición de Design Miami/ presenta, en calidad de museo, muebles, iluminación y objetos de arte de los siglos 20 y 21 de las mejores galerías del mundo, con ferias emblemáticas que tienen lugar en Art Basel en Miami, Florida, cada diciembre y Basilea, Suiza, cada junio. Design Miami/ también es accesible los 365 días del año a través de designmiami.com, con obras a la venta de las galerías expertas de Design Miami, DM / BX, una curaduría de objetos de diseño únicos, de edición limitada y de lotes pequeños más accesibles, así como programación virtual y narración cautivante en la revista Forum. 

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Whitewall reúne los mundos del arte, el diseño, la moda y el estilo de vida. Como plataforma de medios digitales e impresos, Whitewall  amplifica las voces de los visionarios que están cambiando esas industrias: los artistas, diseñadores, creativos y líderes. Las publicaciones impresas se centran en temas trimestrales y los eventos más importantes de la estación. La edición global trimestral impresa de gran formato, con una guía centrada en eventos culturales,  Whitewaller, se realiza en asociación con editores invitados locales e insiders. Whitewall.art presenta artículos oportunos, entrevistas en profundidad, recomendaciones específicas de la ciudad, videos, contenido nativo a través de Whitewall Presents y series en curso como “Beyond the Walls”, “Brand New” y más.

ACERCA DE LEXUS

 Lexus se lanzó en 1989 con un sedán insignia y una experiencia para los huéspedes que ayudó a definir la industria automotriz premium. En 1998, Lexus introdujo la categoría de crossover de lujo con el lanzamiento del Lexus RX. El líder de ventas de híbridos de lujo, Lexus, entregó el primer híbrido de lujo del mundo y desde entonces ha vendido más de 1,5 millones de vehículos híbridos.

Una marca automotriz de lujo global con un compromiso inquebrantable con el diseño audaz e intransigente, la artesanía excepcional y el rendimiento, Lexus ha desarrollado su línea para satisfacer las necesidades de la próxima generación de huéspedes de lujo globales y actualmente está disponible en más de 90 países en todo el mundo.

Los asociados / miembros del equipo de Lexus en todo el mundo se dedican a crear experiencias increíbles que son exclusivamente Lexus, y que emocionan y cambian el mundo.

@DiscoverLexus

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#DesignMiami