En diciembre se publicó un artículo en IWJ International Well Being Journal sobre la importancia a nivel de políticas de tomar contacto con manifestaciones artísticas, creatividad y el arte como antídoto a la crisis sanitaria, social y económica que se vive a nivel global. La idea de la Asociación de Galerías de Arte de América Latina surge en el marco de un verdadero cambio de paradigma. ¿Como se fue gestando esta idea?

Art Focus Latinoamérica surge en plena pandemia. A los 3 meses de iniciada la cuarentena todos los que trabajamos con arte nos vimos involucrados en un paradigma de cómo continuaríamos trabajando.

Es así que comienzo a desarrollar 3 proyectos de los cuales 2 quedaron en suspenso.

2 de estos proyectos no eran de índole asociativa y estaban más relacionados a lo que la mayoría de mis colegas luego fueron definiendo, utilización de plataformas virtuales para realizar sus exposiciones, tiendas de e-commerce eran algunas de las alternativas que comenzaban a surgir para sostener la situación en la que nos encontrábamos todos y que nunca pensamos que se extendería tanto.

Mi experiencia de 27 años haciendo ferias internacionales me dio la oportunidad de generar magníficas relaciones con colegas de distintos países de América y durante esos meses era muy frecuente que me comunicara con ellos para ver qué planes tenían y como pensaban encarar el trabajo bajo la nueva normalidad.

Un día me inspire y pensé en este proyecto que termina encontrando finalmente su nombre. Lo compartí con Gabriela Rosso de la Galería RoFa Projects y le encanto la propuesta que había pensado, por lo que juntos nos pusimos a pensar cómo debería funcionar, cuales serían los objetivos principales y a quienes podíamos convocar a este proyecto, que se comprometieran en trabajar y esencialmente que entendieran la voluntad asociativa del mismo.

Al poco tiempo y luego de varias charlas extensas, comenzamos a observar que las problemáticas de nuestro sector en Perú, México, Colombia, Chile, etc. eran muy similares a las que se presentaban en Argentina y que una manera de fortalecernos era agruparnos. En ese mismo momento comenzamos a observar que no solo en el ámbito de las artes las empresas comienzan a asociarse y a realizar acciones en conjunto o a pedir colaboraciones a otras empresas para sus emprendimientos, esto fue clave sumado a lo que yo venía observado en años anteriores para dar inicio a Art Focus Latinoamérica.

En un reportaje en la Nación le comentabas a Celina Chatruc que la idea fundamental es amplificar las redes de comunicación. Es interesante la centralidad que le das al tema de la comunicación en el inicio de este proyecto. Podés ampliar más esto?

Lo que digo en ese reportaje es que era fundamental prestar mucha atención a las redes de comunicación, entonces rápidamente observamos que era fundamental la asociación con los principales media partner para la comunicación de nuestras exposiciones, por lo tanto contacte a cada uno de los referentes en América para ofrecerles colaborar con nosotros.

Sumar la llegada de los principales media partner que trabajan con arte, y la agenda de contactos de cada una de las galerías que forman parte de Art Focus Latinoamérica, era sin lugar a dudas la forma más eficaz y rápida para estar en la boca de las personas que nos interesan, en muy poco tiempo.

Nuevamente nos encontrábamos con la necesidad de poner en FOCO la importancia de proyectos asociativos.

Logramos muy rápidamente que Artishock se convirtiera en nuestro principal media partner y continuamos trabajando para que cada uno de los medios de comunicación que nos parecen interesante y que tienen gran credibilidad en el sector puedan apoyarnos. Por supuesto a esto le hemos sumado nuestra página web www.artfocuslatinoamerica.com y nuestras redes sociales.

Las exposiciones que inicialmente serán virtuales las montamos en una magnifica plataforma que es de origen alemán y que nos permiten curar la muestra en una sala que se puede recorrer íntegramente e incluso la misma le brinda la posibilidad a los visitantes de realizar consultas de las obras que integran la muestra, descargar un catálogo en PDP e incluso seguirnos. Esta plataforma de pago mensual también permite que nuestro proyecto sea visualizado por cualquier otra persona fuera de nuestra red de contactos que ingresa con intenciones de ver una muestra montada por otras instituciones o galerías.

Como te imaginas la Asociación en un contexto donde las redes sociales y las nuevas plataformas permiten no solo reconfigurar la manera de mostrar el trabajo de los artistas, sino también los procesos creativos, videos, entrevistas etc.

En un momento donde no podemos movernos con facilidad del lugar donde vivimos, dadas las circunstancias por el Covid 19, las redes de comunicación que habitualmente eran un complemento al trabajo que cada uno de nosotros hacíamos se ha puesto en  primer lugar, por lo tanto realizar conversatorios, video entrevistas con artistas, curadores, directores de instituciones y coleccionistas es un medio fundamental para comunicarnos y mantenernos activos y que nuestra presencia sea lo suficientemente contundente para transitar por esta nueva realidad que observo, llego para quedarse.

Sin lugar a dudas todas las plataformas nuevas que han aparecido en el último año se van a ir perfeccionando, para brindarnos un nuevo modelo de comunicación y me parece que es fantástico.

Este proceso nos permite prepáranos para el futuro más cercano y pienso que continuaran implementándose por mucho tiempo.

Es un momento de grandes transformaciones y tenemos que estar preparados ya la altura de las circunstancias.

Quienes conforman hoy la Asociación y que tipo de articulaciones institucionales y partners estratégicos eligieron para esta etapa?

Arfocus está integrado por Pabellón 4 Arte Contemporáneo Argentina – Rofa Projects EEUU – Del Paseo Uruguay y Perú – Zipper Brasil – Policroma Colombia – Quetzalli – México. Queremos lograr que al menos una galería bien representada y con prácticas profesionales de cada país de América se integre al trabajo que estamos realizando.

En cada una de nuestras exposiciones que realizamos, que forman parte de una calendario anual, invitamos a curadores, coleccionistas y próximamente tenemos la intensión incluso de sumar todos tipo de pensadores que pongan en evidencia la importancia del arte en el mundo y todo aquello que está sucediendo en los países vecinos y que por supuesto nos afecta a todos como sociedad.

Iniciaron la serie de muestras con Democracia…. Háblame un poco de esta muestra, porque abordaron el tema de la democracia y cuáles son los proyectos más representativos de esta edición.

Para Democracia la primera exposición que realizamos invitamos a Juan Canela Director de Maco México a escribir el texto principal de esta muestra y a Mario Cader Director de Yes Contemporary a escribir un texto sobre la exposición, poniendo como evidencia el significado de la palabra Democracia.

Esta muestra que termina finalizado febrero y que inauguramos el día de los Derechos Humanos fue nuestra primera experiencia y el 6 de marzo coincidente con el Día internacional de la Mujer, estaremos presentado la segunda Exposición. En esta oportunidad será una muestra íntegramente de artistas mujeres y la temática será Feminismo en el arte.

Este proyecto resulta un instrumento formidable para generar nuevas perspectivas y eventos en la región ¿La Asociación piensa ampliar la convocatoria a galerías y galeristas de otros países en Latinoamérica?

Estamos felices con la repercusión que hemos logrado en poco tiempo y nos preparamos para seguir creciendo y continuar expandiéndonos, tenemos un gran compromiso y pasión con lo que hacemos y pensamos que cuando sea oportuno estaremos presentándonos en las principales ferias de arte y realizaremos muestras y colaboraciones con instituciones y museos.

Como es el proceso de selección y admisión?

Hemos armado un código de ética donde ponemos en evidencia las practicas que realizamos y la responsabilidad de cada una de las galerías que participan de esta asociación. La intención es sumar galerías que tengan la voluntad de crecer con nosotros y principalmente logren comprender la importancia de trabajar en grupo.

Por muchos años hemos trabajado solos y resguardado nuestra experiencia y nuestras agendas y pienso que llego el momento de presentarnos al mundo de manera más evolutiva.

Como vivís la repercusión que está teniendo el proyecto?

Hoy me entusiasma particularmente esta visión y como todo esto puede transformarnos y convertirnos en individuos más cooperativos, creo que es la clave para formar una sociedad más consiente, sana y feliz.

Las artes ponen en evidencia la sociedad en que vivimos, llego el momento en que nos ocupemos de poner en evidencia de que manera queremos formar parte.

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Modalidad virtual vía Zoom, con opción de acceso a cada clase en video para quienes no puedan presenciarla en vivo. 

Costo: ARS 3000. Descuentos especiales para Amigos Malba. Jubilados, estudiantes y docentes con acreditación: 15% de descuento. Beneficios especiales para clientes ICBC. Descuentos no combinables. Consultas a informes@malba.org.ar.

Bernardo Nante, es Doctor en Filosofía y Presidente de la Fundación Vocación Humana. Decano de la Facultad de Filosofía, Letras y Estudios Orientales de la Universidad del Salvador. Se especializa en las fuentes de la obra de Jung y en la traducción y comentario de obras alquímicas. Conversamos con él sobre Los Libros Negros y algunas claves de este curso que se dictará por zoom desde este jueves.

En su autobiografía; Recuerdos, sueños, pensamientos, Jung, al explicar la dinámica de su obra, ¿señala el momento crucial en el que se le plantea como exigencia ineludible el conocimiento y el estudio de los mitos? Sintéticamente, ¿qué es un mito y como te proponés abordarlos en este curso?

Si bien suele comprenderse el término “mito” como “discurso falso”, en su acepción original alude a una “historia verdadera” pues sus símbolos tienen como propósito orientarnos en la vida. El mito es falso cuando se lo toma literalmente. Jung retoma esta idea pero la lleva a la vida individual del ser humano de nuestros días.  En Recuerdos, sueños y pensamientos comienza señalando que contará su vida como un mito. Es decir, las circunstancias externas iluminadas por sus sueños y visiones. La tarea de cada ser humano es rescatar su propio mito que es individual pero que se enlaza con lo colectivo y universal.

Jung comienza alrededor de 1913, con una rutina de auto experimentación totalmente disruptiva para la psicología y las ciencias de la mente, un muy profundo derrotero llamado por el mismo “confrontación con el inconsciente”.  ¿Como surge en él esa idea que luego daría lugar al Libro Rojo?

Más que una idea, es una experiencia potente que se le impone desde lo inconsciente. Ante el asedio de lo inconsciente Jung decide abrirse regularmente a su interior y entrar en términos con esas potencias psíquicas.

Deja de ser una experiencia pasiva pues el yo interviene sin interferir. Esto será lo que Jung denominará “imaginación activa”.

Fueron las visiones que anticiparon la primera guerra mundial (en octubre de 1913 Jung ve Europa inundada sin comprender qué era) las que preceden las visiones de El libro rojo. Jung las anota en Los libros negros y luego las vuelca en un libro escrito al modo de un manuscrito medieval, es decir, El libro rojo. De ese modo intenta comprender las experiencias sin reducirlas a un discurso meramente explicativo. A partir de ello reelaborará durante años su teoría psicológica y su praxis terapéutica pero ya en diálogo con la tradición psicológica y, en general, los distintos discursos científicos.

El Malba inicia un curso dirigido por vos, con algunas claves las de lectura de Los libros negros de C. G. Jung, recientemente publicados en alemán-inglés (The Black Books, 1913 – 1932. Notebooks of Transformation), en los que el pensador suizo registró inicialmente visiones que luego consignó, comentó e ilustró bellamente en El libro rojo. ¿Por qué resulta importante para el público no especializado conocer estas claves…?

Los libros negros ayudan a comprender mejor algunos textos de El libro rojo y algunas imágenes en donde aparecen personajes que solamente se desarrollan allí. Asimismo, completa la cosmovisión que encontramos en El libro rojo pues el texto de este último finaliza en 1916 mientras que Los libros negros siguen hasta 1932. De cualquier modo, El libro rojo agrega reflexiones y, sobre todo, imágenes que no están en Los libros negros. En realidad, son dos obras que se complementan y se completan. En lo esencial ambas tratan fundamentalmente del renacimiento de la imagen de Dios en el alma como respuesta a la “muerte de Dios”.

“Mas allá de la tecnología y positivismo reinante, cada ser humano está llamado a atender a su vida interior, sus sueños y emociones”

¿Se trataba de alguna manera en una búsqueda experimental sobre los límites de su propia cosmología?

Es la búsqueda de una cosmovisión comprendida como un sistema simbólico que orienta, no como un sistema filosófico definitivo que pretende cerrar todos los enigmas. De allí su operatividad o eficacia y, asimismo, sus límites. 

Los sueños y mitos antiguos aparecen como una herramienta de autoconocimiento bastante disruptiva en un momento de la historia en la que nos reconfiguramos y experimentamos un cambio en nuestra forma de relacionarnos, ¿este libro ayuda a entender mejor esto que nos pasa?

Para Jung los mitos antiguos se reelaboran en la profundidad de lo Inconsciente. Es decir, los símbolos son indeterminados e indeterminados, pero retoman las estructuras arquetípicas del pasado aunque de un modo único.

En un mundo impactado por las nuevas tecnologías y por el positivismo parece necesario un verdadero cambio de paradigma para introducirse en una percepción de lo sagrado o los símbolos universales. ¿Cómo tenemos que prepararnos para ese viaje?

Por más tecnología y positivismo reinante, desde este punto de vista cada ser humano está llamado a atender a su vida interior, sus sueños y emociones. El viaje interior se da cuando apostamos a abrirnos a nuestro mundo simbólico onírico y vigílico. Tal es el viaje y, en definitiva, el mito que mencionamos más arriba.

Una de las características del libro cuyos derechos en español adquirió “El hilo de Ariadna” es su diseño : caligrafía gótica… y su encuadernación en negro. ¿Pensando que Jung fue un decidido buceador de símbolos, ves algún mensaje oculto en su propuesta visual..?

Por cierto, El libro rojo “habla” también a través de sus imágenes y su diseño. He intentado dar cuenta (aunque con límites) de esa cara oculta, pues texto y forma visual son dos caras de un misterio. Los libros negros carecen de ese diseño, pero sus textos dan claves adicionales. Asimismo, presenta unas misteriosas runas que agregan claves a toda esta aproximación visionaria.

Finalmente, el bienestar y el alma son puntos centrales en la obra de Jung. Hoy la psicología positiva impulsa el término well being como sinónimo de una felicidad posible para el sujeto contemporáneo. ¿Cómo contribuye el estudio de los mitos y este curso en particular, en la búsqueda de una mejor calidad de vida?

Comprender (no sólo racionalmente) cuál es el camino que me lleva a una vida más plena ayuda a una felicidad que contribuye a mi vida, a la del prójimo y a la de mundo. Por cierto, es un camino que no es definitivo y que se debe cuidar a diario.

Agradecimientos: Soledad Alvarez Campos (MALBA) / Elvira D´Angelo

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Bernardo Nante

Es Doctor en Filosofía y realizó estudios superiores en Psicología, Ciencias Orientales, Matemática y Economía. Creó y preside la Fundación Vocación Humana. Es Decano de la Facultad de Filosofía, Letras y Estudios Orientales de la Universidad del Salvador. Se especializa en las fuentes de la obra de Jung y en la traducción y comentario de obras alquímicas. Estuvo a cargo de la edición castellana de El libro rojo. El Liber Novus (2010) de C.G. Jung. Entre otras publicaciones se destacan: El libro rojo de Jung: Claves para la comprensión de una obra inexplicable (2010), su edición italiana Guida alla lettura del Libro rosso di C. G. Jung (2012), y su edición en portugués O Livro Vermelho de Jung: Chaves para a compreensão de uma obra inexplicável (2018). Junto a Mariano Nante, publicó El cine de lo sagrado (2019).

Programa

Clase 1. Aportes de Los libros negros al tema central de El libro rojo: el renacimiento de la imagen de Dios en el alma. Los libros negros iluminan el texto de El libro rojo (1913 – 1916), las imágenes (en particular a partir de 1916) y continúan con una suerte de “Nuevos Escrutinios” que llegan al año 1932. Potencia e impotencia del alma versátil, mediadora de los misterios.

Clase 2. Los libros negros completan la “genealogía” de El libro rojo. Personajes que se transforman y nuevos personajes. Los nuevos rostros de Filemón. Los mil rostros de Atmavictu, Ha y las runas, Ka o la sombra de Filemón. Otros personajes “humanos” y “divinos”. Fanes y la mayor diferenciación de Abraxas.

Clase 3. La cosmovisión de C. G. Jung se completa en Los libros negros pero permanece abierta al misterio. Fanes, la “estrella” y el misterio de las “siete luces”. Esbozos de la “nueva religión” o de una imagen de Dios que renace en cada uno y en la interrelacionalidad.

Fundación Malba
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Crespin partió de Venezuela junto a su mujer Mena Cimino, contratada como bióloga en el Institut Pasteur de Paris. Crespin no dudo en acompañarla pensando en que algo podría hacer  en Francia con su obra.  A solo 8 años de arribar su obra llegaba por encargo al Musee du Louvre.

IE: Muy buenos dias a todos y bienvenidos al primer encuentro con artistas junto a Elias Crespin, vamos a estar haciendo un vivo y  quienes participen del encuentro pueden ir conversando junto a nosotros enviando sus preguntas y comentarios.

EC: Estoy muy emocionado es la primera reunión de este tipo, mucha de la actividad artística expositiva la he hecho en Buenos Aires y me emociona doblemente.

IE: Estuviste en la Feria ArteBa

EC: Si en ArteBa y tuve una obra mucho tiempo en el Malba, tuve una obra expuesta también en el Museo de Bellas Artes, De hecho es una obra que pertenece al Museo de Bellas Artes  Sí bueno vamos a ver qué pasa con el Museo de Arte moderno

IE: Sí también en ArteBa a tu obra fue comprada por el Museo del Barrio ( NY), en el 2006.

EC: Sí fue mi primera feria, yo no sabía cómo era eso de vender obras de arte, Debbie Frydman me impulsó, me trajo la obra y me trajo para el montaje en ArteBa, y bueno funcionó desde el punto de vista comercial también, que era importante para que continúe para financiar la actividad.

IE: Que bueno es para los artistas siempre tener a alguien con una visión de elegir primero a los artistas que van a llegar y que son talentosos y saber cómo guiarlos y redigirlos para que su obra se encuentre en Instituciones interesantes y colecciones también de renombre.

Contanos como llegaste al Louvre, ¿cómo llega L´onde du midi?, ¿cómo la pensaste, vos elegiste ese espacio en el Louvre, ellos te lo indicaron, ¿cómo es el proceso?

EC: Bueno yo estuve un mes en una exposición colectiva en el 2018 en el Grand Palais,  me propusieron que participase en la exposición y me dijeron que sólo lo podía hacer en la torre de la escalera, de allí en el Grand Palais, era un lugar complicado había un solo  punto de anclaje, no se podían tocar las paredes no se podía tocar el techo y bueno me adapté a esas restricciones he hice un obra que es la Gran HexaNet, la pueden ver en Instagram en un posteo del 2018, hay se pueden ver bastantes imágenes. Esa obra  la vió la directiva del Museo del Louvre durante esa exposición, cabe decir que a esa exposición “Artistes & Robots” participé porque me invitó uno de los co-curadores que es Michel Chevalier, que es artista con quien comparto este espacio de taller también y hemos desarrollado una amistad, Él cree en mi trabajo y me ha invitado a múltiples exposiciones una de las cuales y la más importante es esta del Grand Palais, y ahí la directiva del Museo del Louvre, tuve la oportunidad de que vea la exposición y era una persona muy ocupada y cuando llego ahí y vio mi obra y se quedó media hora viendo la obra, y la tradición de encargar obras se había parado, tenían tiempo en hacer una adquisición de este tipo, y me imagino, no lo sé viendo un edificio tan antiguo como el Louvre, un edificio clásico, Art Deco, con sus adornos rococó, etc. Una obra contemporánea de tubos de aluminio y viviendo el volumen de un espacio que normalmente no tiene otra obra que el puro espacio, yo creo que vio eso y dijo esto puede ser un encargo para el Museo del Louvre, yo ha todo esto estaba ajeno de todo esto y recibi de repente una llamado en septiembre de 2018 invitandome a una reunión al despacho del director del  museo y el me invito a que pensara un obra para el Louvre, así empezó, y me dijo Elías recorre el museo y proponme donde; además me puso una tarea difícil que es recorrer esos miles de metros cuadrados de museo y ver

‘L’Onde du midi’ está compuesta por 128 tubos metálicos suspendidos, que ejecutan una sutil coreografía.  Está ubicada en en el ala Sully. El conjunto flota pero también ejecuta un baile lento, pasando del orden al caos. Elías Crespín es uno de los cuatro artistas vivos que fueron seleccionados por el Louvre y a quien se les comisionó una su obra por encargo,  además de Georges Braque (Les Oiseaux),  Anselme Kiefer (Athanor),  Francois Morellet (L’ Esprit D’Escalier)  Cy Twombly (The Ceiling)

IE: Y con una mente despejada porque entre la arquitectura y la cantidad de obras como marcas tu rumbo…

EC: Era interesante porque adrede tenia que ignorar las obras, y realice visitas, alrededor de 15 visitas a lo largo de dos o tres meses y eran visitas arquitectónicas, tenia que ignorar la Mona Lisa! o la Victoria de Samotracia, la Venus de Milo. Estaba entendiendo el hogar de estas obras Su distribución su orientación Qué está orientado al norte que está orientado al oeste Apenas entras a ese museo te pierdes entonces poco a poco Empiezas a ubicarte y a conocer los lugares y algo que yo tenía claro era que no iba a invadir Un espacio que ya tuviera su contexto particular definido o expositivo Definido y ahí hay mucho espacio expositivamente definido entonces no era tan evidente.

IE: Elías vamos un poco para atrás y contanos antes del Louvre. Cuando vas a la retrospectiva de Gego (Gego es una artista y escultura Venezonala de origen alemán abuela de Crespin) Y te encontrás con esa obra de Jesus Rafael Soto “ Cubo Virtual”..Se detona algo en vos? Cómo fue esa mirada porque tu cosmovisión estaba basada en algo que te hizo mirar esa obra y llevarla al arte “electro-cinético”?

EC: Sí podría ser, Bueno una gran influencia fue crecer Con la obra de mi abuela y no sólo su obra Sino su quehacer diario en relación a la obra En su taller todas las semanas y verla trabajando Nunca lo vi como un ejemplo para mí como artista sino como un ejemplo de un quehacer interesantísimo Y que siempre me atrajo pero verla compartirlo No lo había asumido nunca Y en la escuela me acuerdo la profesora de artística en segundo grado Mirna Sala Manques, pensando en expresarme lo veía como ejemplo para yo hacer lo mismo.

IE: … Estaba como muy naturalizado.

EC: … Esa emoción quedó ahí, quedó impregnada, estos son dos ejemplos aparte de la cantidad de obra cinética pública que hay en Caracas y en Venezuela, en general en muchas ciudades de Venezuela, eso te entrena sensorialmente. Cabe destacar también mis padres son matemáticos los dos y en los últimos años del bachillerato y también en los primeros de la Universidad estudiamos cálculo y XXXX? lineal y me fascinó la gráficación de funciones y  Comencé Con las primeras computadoras a hacer experimentos pero esos conceptos relativamente básicos matemáticos pero nuevos e interesantes Y lo siguen siendo y comencé a hacer gráficas en la computadora utilizando esos conceptos matemáticos eso fue a principios de los 80 y ahora hago lo mismo en cierta forma mis obras se basan en la representaciones matemáticas de esas danzas que luego se mueven en 3 dimensiones variando en el tiempo.

IE: Son como tus coreografías?

EC: Si, entonces esa preparación, todo eso junto de alguna manera me preparó para ese momento en el que me encuentro con el cubo de nylon de Soto y lo veo en un espacio de coordenadas de 3 dimensiones donde se pudieran definir funciones que cambian en el tiempo. Si hubiese una manera de hacerlo, tenía un potencial artístico, un potencial de mostrar, mostrar esas ideas y esa inquietud que tenía en un lenguaje visual.

IE: Y el color como transita tu obra, como es tu elección? En la obra del Gran Palais tiene naranja y en la obra del Louvre están el azul y el negro

EC: En general pienso el color en mi obra en una circunstancia, no es fundamental. Es una característica y una propiedad que se le da a la obra, que le da su personalidad. Pero no es algo racional, consciente la selección de color. Un poco intuitivo en este caso. De hecho, para la obra del Louvre, estuvimos con mi equipo pensando. Me pidieron en algún momento, una vez que había definido las primeras maquetas y se las había mostrado en bocetos, tengo que reconocer que el nivel de profesionalismo con el que trabajó el museo conmigo y mi equipo fue impresionante. Me preguntaron si era posible que llevara elementos que funcionaran para la obra, y si podía llevarlos para presentarlos en el lugar e imaginar como se vería de manera mas concreta y ayudarlos en el proceso de decisión en los que ellos querían involucrarse…

Imagínate es el museo de los museos y te están invitando a eso… que más podría pedir un artista….

Bueno ahí es cuando pensé… que voy a hacer… no voy a llevar un tubito de colores… Le dije a mi equipo vamos a hacer una obra que se parezca en proporciones a lo que sería la obra final. Preparé algo que parezca en proporciones a lo que sería la obra final y la vamos a llevar allá funcionando. Y preparé 5 conjuntos de elementos con colores diferentes. Entonces había 5 conjuntos de colores con una obra funcional con sus 5 colores. Y eso lo montamos el día de la presentación in situ.

IE: Muy profesional ese proceso . La pregunta que quiero hacerte es porque elegiste ese lugar pasando la galería egipcia; Naum Gabo quien utiliza por primera vez el termino arte cinético escribe en su Manifiesto Realista refutando el error heredado de los egipcios que veian en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica, y justamente tu obra en movimiento se encuentra luego de atravesar la galería de arte egipcio…

EC: No escogí el lugar por la proximidad ni el manifiesto, sino por temas de volumen y luz propios de ese espacio.  Si uno observa como visitante del Museo pasas por ahí y no te detienes a verlo y ahora con la obra si sucede…. Eso también me interesaba.

IE: Ahora con la obra instalada, cual es tu expectativa. Que querés que provoque en el público?

EC: Un momento de calma y reposo en su recorrido…. Frenético por el Museo.  Uno tiene que organizar el recorrido que va a hacer, las salas, las obras para ver, etc…. Y debe haber un momento de pausa. La obra es un “sensibelómetro” que permite medir la sensibilidad de la gente que pasa algunos pasan y otros se detienen. Tambien hay un banco.

IE: Vos decís que tus obras son coreografías y que la gente puede seguir la música con la mirada? Es así?

EC: Exacto , es una música que se escucha con los ojos….

IE: Y cómo es tu relación con la música, vos nos contaste que en Venezuela había una compañía de ballet que te inspiraba…

EC: Danza hoy era el nombre de la compañía. Sus directoras son hijas del primer colegio dónde fui en primer grado…. Son de alguna manera algo que me muestra que en el destino está todo conectado. A esta compañía de danza yo iba a todas sus presentaciones. En los años finales de los 80.

IE:Cómo es la búsqueda en término de los materiales que utilizas? … trabajás con lana, acero… cómo seleccionas el material y como ves a futuro esa selección de materiales…

EC: Hay una gama de materiales manejables que conozco, la primera obra la hice con alambritos doblados a mano y ganchitos en los extremos, enganchados formando una malla con la misma técnica que aprendí con mi abuela. De hecho al decidir hacerla así, pensé cuál sería la mejor manera de hacer una malla dinámica que pivotara en las articulaciones y esa manera de unir las varillas era la mas sencilla y eficaz.

IE: Que nos podés contar de tu relación con lo urbano y la arquitectura y tu visión de los espacios?

EC: Cuando hablamos de urbano pienso en obras al aire libre. Y tengo cierto desarrollo en lograr que mis obras puedan subsistir en espacios al aire libre. Por eso la arquitectura interior es la que mas he trabajado. En la arquitectura hay volumen, espacio, es luz y trato de integrar de una manera transparente y delicadeza, movimiento en esos espacios….

IE: Quienes nos están escuchan preguntan como se mueven tus obras…

EC: Cada obra tiene muchos elementos, motores y a cada motor le ponemos un eje con una polea y la polea hay bobinado un hilo que pasa hacia abajo. El motor está sosteniendo parte de la obra y hay muchos motores interconectados a una computadora que graba el modelo matemático de la danza…. Es decir la definición de las formas en secuencias y como van cambiando en el tiempo. Eso lo tima un programa y transforma ese modelo de danza en instrucciones para los motores…

IE: Por que creés que son tan importantes los museos

EC: Creo que canalizan la expresión artística, la concentran en un punto en el que uno puede ir y aprecierla. Es un inidicador del pensamiento y sentimiento humano.

IE: Para terminar, dónde está puesta tu mirada hoy?

EC: Estoy tratando de ponerme al día en historia del arte y filosofía. Estoy aprovechando que estoy en París para indagar sobre estos temas y este lugar maravilloso y mi actual nivel de francés me lo permitiría…

Entrevista a Elías Crespin por Inés Etchebarne desde París. / via IG Live

Fotografía: Christian Carle Catafago
Edición contenidos : Georgina Gil

Agradecimientos:
Inés Etchebarne, Elías Crespín / Museo del Louvre
Museo Moderno BA; Debbie Frydman, Coordenadas Art.

Los seres humanos podemos crear nuevas conexiones neuronales a lo largo de toda la vida, y esto puede estimularse con el entrenamiento mental. La intensidad de multiplicación de las redes neuronales está directamente relacionada con la naturaleza de la actividad mental que se realice, pudiendo moldear al cerebro en lo que se conoce como neuroplasticidad auto-dirigida.  Esto nos permite tomar mejores decisiones, cambiar y ser más creativos.

En este taller de cuatro clases, Estanislao Bachrach desarrollará las principales habilidades que nos permitirán conocernos más y mejor, con herramientas específicas derivadas del conocimiento científico y probadas en múltiples personas y organizaciones. Aprenderemos sobre nuestro cerebro, mente y cuerpo, y sobre cómo desarrollar mayor autoconocimiento para regular nuestras emociones, favorecer el cambio, y potenciar nuestra creatividad con el propósito de alcanzar una vida más equilibrada.

Los encuentros serán en vivo, y los asistentes podrán participar y realizar preguntas a través de un chat. Luego, las grabaciones quedarán disponibles durante una semana para quienes no hayan podido asistir a las transmisiones en directo o quienes quieran volver a verlas.

Temario del Taller de Estanislao Bachrach

Encuentro 1 – Domingo 9/8: Cerebro más eficiente

Encuentro 2 – Domingo 16/8: Cerebro más creativo

Encuentro 3 – Domingo 23/8: Cerebro y emociones

Encuentro 4 – Domingo 30/8 : Cerebro y cambio

Agradecimiento: Florencia Salvador / CCKonex

Como definirías Deakin?

Creo que una nota destacada que tiene James Deakin Gin, es, su atuenticidad. Cuando arranqué con este proyecto, lo primero que hice, fue un testearlo frente a otros productos similares, mi intenció era entender primero que era lo que habia de gin, en el mundo hasta lograr algo distintivo. Creo que eso está logrado

Otro razgo característico de este gin es una estética que acompaña el producto, a mi me apasiona navegar por eso la botella representa a un Faro  y los colores azul y blanco representan el mar y el cielo como los de nuestra bandera .

Qué cualidad se aprecia primero en él ?

¿Y cómo se despliega en un buen trago, que aporta además de los botánicos?

“Es un gin perfecto gracias al agua pura del Aconcagua que es fundamental en un producto que es básicamente 60% es agua y el 40% es alcohol y también porque  tiene cuatro destilaciones, por eso es premium”.
Simón Venghi

¿Qué esperás que perciban sus amigos cuando comparten con vos un gin tonic?

¿Cómo te imaginás a Deaking en en 5 años?

El arte y el gin se dan la mano…? ¿Siempre estuvieron presentes en los mejores eventos, vernisagges, fiestas y presentaciones … por qué?

¿Tres tragos relativamente fáciles… que recomendás para preprar con Deaking para esta cuarentena…

¿El gin es un trago que fascina las mujeres…. sabés porqué ?

¿Un gin maker es un oficio de tiempo completo ?

¿En qué lugarte gustaría montar tu gran destilería y hotel boutique para disfrutar y recibir amigos?

¿Tu plator favorito para maridar con este gin?

¿Deakin Tiene un lema?

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Contame como fue madurando la idea y los proyectos de la fundación hasta llegar a Imán, este nuevo espacio de Cazadores.

Fundacion Cazadores tiene ya 7 años de vida. Fuimos recorriendo un camino que se inicia con pequeños proyectos vinculados a la actividad docente para artistas e interesados en el arte. Luego iniciamos el programa de Clínicas para artistas visuales pero el gran salto se da cuando decido mudar las instalaciones. El espacio nos quedaba chico. En este nuevo lugar se abrieron nuevas oportunidades: mayor espacio para formación y una sala de grandes dimensiones que habilita exhibiciones. Cuando se refaccionaron las instalaciones se pensó en hacer convivir distintas prácticas artísticas favoreciendo sus interacciones. Agregamos entonces el piso adecuado para las practicas físicas en la sala de formación. Hoy este espacio nos sirve también para presentar obras escénicas y/o danza en pequeño formato. Si bien este impulso esta en mi desde siempre pude percibirlo luego de lanzar el programa “Beca Cazadores” en 2016 que recibe el subsidio de Mecenazgo y cuyo core estaba en la interdisciplina. Imán nos permite la diversidad: Un gran espacio de exhibición que da cabida a las mas variadas expresiones artísticas contemporáneas: artes visuales, danza, artes escénicas. El espacio es un híbrido que se transforma y con el, la obra a la que sirve de continente.

Para vos existía también la necesidad de crear un nuevo player en el circuito Palermo, Chacarita/ Villa Crespo que permita la formación e incubación de artistas emergentes y en facilitarles visibilidad, es así ?

Los que mencionas son barrios que vienen creciendo desde hace ya muchos años dando entrada a lo público: gastronomía, salas de teatro independiente, centros culturales; cada vez mas turismo. Se vuelve un área de impulso audiovisual por iniciativa del gobierno a la vez que se van instalando las galerías mas reconocidas de la Ciudad. Se van abriendo circuitos muy favorecedores para todxs. Nuestro actual edificio ya se dedicaba a formación de artistas.. Fue el espacio que daba cobijo a la Fundacion del maestro Guillermo Roux. Un taller-escuela al que pertenecí como alumna. Estaba familiarizada con el lugar, lo disfrute enormemente en esa etapa.

La zona era propicia y surgió la oportunidad, ya que Roux estaba cerrando y Alejandra, su hija, me lo hizo saber conociendo de mis intenciones de crecimiento.

La zona es excelente, sigue creciendo y ofrece una red de transporte maravillosa para quienes vienen de los distintos lugares de la ciudad. Esto es muy valioso para quienes buscan formarse en Cazadores.

¿Cazadores se presenta fomentando el diálogo interdisciplinario y el impulso permanente de artistas en formación y desarrollo de clínicas y eso los diferenciaría de otras fundaciones más asociadas al área institucional de algunas empresas o a las que concentran en la investigación?

Lo que mas embellece este proyecto, para mi modo de ver, es que fue fluyendo a partir de ciertas ideas centrales pero siempre hemos validado el curso que fue tomando. Ya es un desprendimiento. Ahora el gran desafío es seguirle el paso. Seguirle el paso es también no perder el rumbo, entonces, si bien esto ultimo nos marca un limite, se habilita el juego que nos desafía constantemente, lo que se vuelve enormemente enriquecedor.

Quizás esto que te comento sea una diferencia. Indisolublemente unido a la formación está para nosotros lo que llamamos acompañar en el lanzamiento a lo publico. El artista requiere una formación en continuo. Las clínicas, las exhibiciones, lograr el interés en los legitimadores: curadores, críticos, galerías, etc… en fin, así entendemos nuestra labor como un acompañamiento en la formación que abre puertas a la vida profesional del artista en donde todos estos jugadores deben ser tenidos en cuenta. De este modo tejer redes con galerías, ferias, generar un modelo de cooperación con otros centros culturales nos permite fortalecer la formación de nuestra comunidad de artistas, dar a conocer sus practicas, sus trabajos, sus nombres. Advierto esta mención como diferencial. La formación no suele avanzar al acompañamiento en la vida profesional del artista.

“Una enorme diferencia con otras instituciones es que no tenemos el sostén económico de ninguna empresa ni somos un proyecto comercial. Somos una institución sin dependencias y esto nos hace maravillosamente libres aunque nos implique ajustarnos a un presupuesto limitado y a la necesidad de contar con subsidios para poder completar los presupuestos de nuestros programas.”
Viviana Romay

Tanto Sergio Bazán como Mariana Oberstern, dos artistas de prestigio y enorme trayectoria te acompañan en esta tarea. ¿Qué expectativas les genera este proyecto?

Vivi: Para nosotrxs que artistas de este prestigio nos acompañen es un gran reconocimiento y tambien un desafio. Nos obliga a crecer. Nuestra trabajo es ofrecerles un espacio donde puedan sentirse libres, donde puedan encontrar terreno fértil para seguir su propio desarrollo profesional. Ofrecer ese terreno a artistas de experiencia y solvencia probada desafía nuestro trabajo y nos emociona.

Sergio : Quiero es volcar toda mi experiencia de lleno en Fundacion Cazadores, con toda la potencia que se puede dar en relacion a como un artista esta trabajando, dialogando con su obra, ponerlo en contexto y en un plano de discusion, un plano de juicio critico en relacion a la obra que esta produciendo y los artistas que lo acompañan en el proyecto

Mariana: En Impulso Cazadores dispusimos algunos bordes que sitúan la convocatoria, -por ejemplo está dirigida a artistes que trabajen en una zona disciplinar mixta-, a la vez estamos expectantes respecto del momento en que nos encontremos con los proyectos que cada artiste presente a partir de ella. Una convocatria es en parte un desafío, una invitacion a pensar sobre algo, y es emocionante cuando eso, que en principio son unos carriles, empiezan a ser llenados con las ideas y propuestas concretas de les artistes.

Cazadores busca también dar apoyo a proyectos artísticos en desarrollo o que requieran de una instancia de trabajo intensivo para su cierre, además de ofrecer condiciones de visibilidad a los resultados de este proceso: ofreciendo tutores en las áreas de especialidad, un espacio de trabajo y una sala de exhibición.

Mariana: Sí, exacto. El Programa Impulso pone foco en las tutorías, es decir en el acompañamiento al artiste en su proceso de desarrollo de obra. Esto implica, tanto ayudarlo a atravesar los obstáculos conceptuales, prácticos y técnicos que puedan surgir en ese tránsito, como una interlocución que le permita profundizar y dialogar con su obra: la posibilidad de poder abrirla, desplegarla, indagarla, y eventualmente cerrarla en el máximo de su potencia. Allí aparece la propuesta de Cazadores de brindar un espacio para el montaje y la exhibición; esto es, en parte para que el artiste pueda tener esa instancia de compartir con el público los resultados del proceso, y a la vez para incluir el proceso de montaje dentro de la instancia investigativa y formativa.

Como ves la relación entre el arte, las nuevas expresiones y nuevas tecnologías a la hora de producir discursos, obras y nuevos contenidos. ¿Cazadores tiene abierta la mirada a expresiones de ese tipo?

Mariana: Desde el rol de coordinación del Programa, te diría que es fundamental estar abierto y atento a las nuevas expresiones de les artistes. En este caso, y dada las características del Programa y su foco en disciplinas mixtas, cada tutor se terminará de definir una vez seleccionados los proyectos, justamente para ese fín, poder invitar al tutor adecuado a las materias e interrogantes que surjan de cada proyecto específico.

En relación a las nuevas tecnologías, un tema que ya venía estando muy presente y aceleró su activación a partir de la circunstancia actual en torno al aislamiento preventivo, diría que hay que encontrarle su lugar en cada caso; personalmente, no me interesa pensar a la tecnología como un fin en si mismo o como un elemento de reverencia; en el campo artístico la tecnología es un instrumental más en manos de les artistes, puede ser una herramienta o incluso una posible fuente de derivas poéticas. El centro sigue siendo el artiste en su búsqueda.

Vivi: Nuestros programas buscan la libertad de medios para favorecer las diversas expresiones. Eso creo que contesta tu pregunta ya que nos dice que estamos abiertos a todos los medios expresivos que lxs artistas quieran explorar. A la hora de configurar la obra xl artista ya no se limita al medio que le es especifico. Busca, se apropia, se asocia o se asesora con otrxs que le proveen las herramientas y/o saberes que necesita. Esto es en esencia lo que favorecemos en nuestros programas. En “Impulso Cazadores” xl jurado ademas de seleccionar los proyectos para los que favorecemos la Inter o transdisciplina, selecciona lxs tutores en conjunto con nosotros. Esxs tutorxs se eligen según lo que se advierte necesita el proyecto para seguir su desarrollo y esto implica abrir el juego a las mas variadas disciplinas artísticas acompañando al artista en las áreas conceptuales o de las practicas sobre las que quiere indagar.

Sergio:

Hoy el artista es un antibiótico de amplio espectro, atravesado por la poesia, la comunicación, lo performático, lo musical, las redes, es mas horizontal desde ese lugar. Interesa mucho la idea de autor pero tambien la apropiacion, de las redes y de otra metodologia para trabajar y en esa conjucion se arma un nuevo presente, un nuevo dialogo y una nueva manera de mirar.

La tecnología es una tecnica a favor y Cazadores es muy abierto a recibir y comunicarse.

La pandemia vino a reconfigurar toda la agenda de la Fundación me imagino….

Creo que la pandemia nos puso en jaque a todxs. Rediseñar la agenda de Cazadores dentro del rediseño de la vida de cada uno de lxs que la integramos. Superponer la cotidianidad de nuestras vidas con nuestro trabajo en un mismo espacio y sin solución de continuidad.

También ofreció oportunidades y favoreció el logro de nuevas estrategias personales y colectivas.

Teníamos un año completamente programado: exhibiciones de artes visuales se sucedían entre el ciclo Instalar Danza y otros proyectos. Todos los equipos trabajando para cumplir con la agenda; “65 sueños sobre Kafka” obra dirigida por Maricel Alvarez y Emilio Garcia Wehbi en Iman, montada y en exhibición. El calendario de Impulso Cazadores en marcha con su momento asignado para la selección, las tutorías y las exhibiciones sin hablar de las obras de teatro independiente que ya estaban agendadas. En fin, así hizo su aparición la pandemia.

Tuvimos que reprogramar en algunos casos, en otros reconfigurar validando medios virtuales para hacer a distancia lo que hacemos en presencia. Las clínicas por ejemplo hoy son nuestra rutina, pantalla mediante, y lo que pensábamos difícil resulto no serlo tanto e incluso despertó otros intereses y posibilidades para seguir investigando.

Por el momento hemos decidido sostener nuestras exhibiciones en su formato presencial, tanto las de artes visuales como aquellas que implican un cruce entre distintas disciplinas en donde la danza o las artes escénicas tienen lugar. Y digo por ahora, porque no sabemos cuando podremos recibir gente en nuestro espacio. Estamos abiertxs a buscar otras posibilidades, lo estamos explorando. Me inclino por encontrar un punto de equilibrio entre lo presencial y lo virtual pero, no quiero apresurarme, los calendarios fueron acomodados para que volvamos a la sala y aun el panorama es muy incierto. En el mientras tanto seguimos trabajando en buscar formas y modos que sean validos para sostener la calidad que pretendemos.

¿Actualmente están desarrollando un ciclo de charlas sobre prácticas artísticas, querés contarme algo sobre estos ciclos sobre prácticas artísticas que puede seguir la gente via zoom?

Veníamos pensando en un ciclo de charlas presenciales. Este estado de cosas, así como nos obligo a posponer, también nos alentó a adelantar proyectos en carpeta. Una tarde convocamos a todxs lxs artistas que rodean cazadores en sus distintos roles y programas de la institución. Fue un encuentro muy enriquecedor. Allí terminamos de proponer el ciclo y lo gestamos entre todxs. Mariana O. puso su luz y su experiencia en la sugerencia de formatos que nos permitieran estructurar las conversaciones. Las ideas se lanzaban y allí estaba el resto poniendo su granito de arena y todo creció y fluyo. Durante ese encuentro apunte en mi cuaderno “que sea genuino”…, lo que nos interesa, lo que nos interpela es lo que buscamos habitar y eso siempre es bien recibido, es convocante. Es por eso que quienes conversan entablan esa charla haciendo base en lo que realmente le interesa saber del otrx, de su mundo. Luego armamos las duplas y alli estamos cada martes en este ciclo que nos permite mostrar cazadores en su interés por la diversidad: artistas de diversas practicas conversan entre si. Dimos lugar también al coleccionismo. Andres Brun nos regalo su mirada en una charla de lo mas interesante que tuvo con Mariana. Siguen los encuentros que nos permitirán indagar en la relación del artista visual con el curador (Leila y Jimena) de los intereses que pueden confluir entre artistas visuales y quienes indagan en las prácticas del movimiento (Sergio y Elina). Encuentros entre bailarinxs nos permitirán saber de que trata la curaduría de un ciclo de danza y como se entrelazan las búsquedas en un programa de esta naturaleza. Mariana O estará con Maricel Alvarez acercándonos sus mundos en la escena y finalmente tendremos la posibilidad de acercarnos a los procesos creativos de una pareja de artistas que trabajan juntxs a la vez que comparten sus vidas (Maricel y Emilio). Ambos artistas de la escena, versátiles y comprometidos con la interdisciplina y la docencia. En fin, todo un deleite que estoy ávida por presenciar.

Sergio : Me parece que toda moneda tiene su reverso, la maldicion de la pandemia y este mal que nos tiene encerrados, hace ver que de laguna maner seguimos vizibilizados y hay una mayor comunicacion, en las charlas vos podes escuchar a gente que habla de teatro danza, de performance, en mi caso contar mi fui desarrollando mi trabajo como artista docente, algunos escritos y lo que se pierde del vivo se pude complementar con mas libros, con mas inquietudes, mas notas genera una horizontalidad que hoy podes estar escuchando a alguien que recien empieza su busqueda o artistas ya consegrrado que admiramos y hoy suben mucho a las redes lo que estan haciendo de manera diaria.

Las clinicas, no le tenia fe porque la materialidad de la obra no puede ser reemplazada pero el hecho de que los artistas puedan hablar, se animan mas, uno esta mas solo en relacion a la obra, presenta la obra y hay un dialogo en las clinicas que fluye de alguna manera muy interesante, vulevo a insistir con la idea de horizontalidas, con zoom se desarma la espacialidad, no hay frente, dialoga conmigo y los otros artistas, aca se ve todo a la vez y como opino yo, opinan los demas y puedan rebatir desde otro lugar y otro punto de vista. Es sumamente interesante, se arma un gran poliedro, toman nota, se vuelve sobre lo charlado y es muy muy enriquecedor, estas con tus auriculares, se reducen las distracciones.

El departamento institucional prepara una edición especial exhibiendo la tarea de la fundación hasta ahora. Querés contarme un poco de esta iniciativa?

Te cuento que solo le dije a Daniel Levin Frieder, Director Institucional de Cazadores, que quería hacer una publicación que sintetizara los dos ultimos años de Cazadores y ya no tuve mucho mas que decir. Llovieron sus ideas sobre mi mesa de trabajo, proyectos y posibilidades. Que mejor entonces que Daniel sea quien te cuente de que trata nuestra publicación que ya, ya esta saliendo…..

Daniel Frieder: La publicación, de alguna manera pretende resumir y trasmitir ese transitar desenfrenado de los primeros 15 meses en la nueva sede, donde por un lado el espacio nuevo permitió dar lugar a muchas ideas que antes no estaban pero tambien llenar vacios que no se nos planteaban. En ese sentido la publicación opera como el espacio fisico de la fundacion, es una caja contendora donde cada cuadernillo tiene entidad en si mismo y es algo, una muestra, un programa o un area de trabajo, pero a la vez es parte de una construccion mas grande en la que no solo se suceden unos a otros (no tienen orden por ejemplo) si no que forman parte y se vinculan en otra construccion.

Si logramos trasmitir de forma adecuada nuestras sensaciones a la publicación, habra gente que tenga un solo cuadernillo y eso resuma todo lo que es cazadores para ellos, otros que tengan algunos y otros que tengan todos, pero aun en esos el orden con el que cada uno lo sienta natural no deberia ser el mismo.

En ultima instancia es una colección viva, que permite esa construcción y vinculación constante, donde nosotros proponemos una forma pero siempre es incompleta sin el aporte de quien la recibe.

Fundación Cazadores:

Directora General: Viviana Romay
Director Institucional: Daniel Levin Frieder
Director Visual: Sergio Bazán

Responsable de producción: Mariel Leibovich
Jefe de sala: Adrián Grimozzi
Comisión Directiva: Mario Andelman, Alejandro
Marquez, Viviana Romay y Bernardita Valencia

Programas / 2020
Clínica Cazadores — Docentes:
Jimena Ferreiro y Leila Tschopp
Impulso Cazadores — Dirección artística:
Mariana Obersztern
Instalar danza — Dirección
artística y curaduría:
Elina Rodríguez y Viviana Iasparra

www.fundacioncazadores.org.ar
contacto@fundacioncazadores.org.ar

Inés fué entre tantas cosas creadora de una verdadera marca regsitrada en Argentina. El  Breakfast Club un evento ideado para ICANA (Instituto de Cooperación Argentino Norteamericano)  y  en el que desarrolló un espacio histórico de networking. Luego realizó el Financial Club para Accenture en Argentina y Colombia. Hoy es la presidenta elegida por el Ministro de Cultura, Enrique Avogadro y la directora del Museo Moderno Victoria Noorthoon, como responsable principal de la Comisión de amigos del Museo Nacional de Arte Moderno.  Inés ha vivido y se ha desarrollado como promotora cultural durante los últimos 10 años entre Bruselas, Beirut, Buenos Aires, Punta del Este y París.

Lo de los Breakfast de ICANA fue algo revolucionario en Buenos Aires porque llevabas cada 15 días referentes de la actividad empresarial, la vida cultural de Buenos Aires, periodistas o representantes de ONG´s para compartir experiencias, intereses y que cuenten su proyecto….

Si,  para mi la idea pasaba por plantear temas de agenda y armar mesas diversas pero siempre tratando de encontrar intereses comunes….  Lo central era que te fueras con contactos a los que pudieras darles continuidad…. Funcionó y la gente generó mucha asociatividad y encuentros que tuvieron luego un desarrollo increíble.

Durante cuánto tiempo hiciste eso?

Fueron siete años. Pero además le sumamos eventos de música, ciclos de jazz, cine, literatura, todo con relación a los Estados Unidos. Luego trabajé en la Dirección de Museos de la Ciudad de Buenos Aires durante la gestión de Florencia Braga Menéndez..

En el marco de mi acción institucional en ICANA conocí a Gail Harrity, Eisenhower Fellow, que había dirigido el Museo de Filadelfia y fué una de las promotoras del Museo de Bilbao. En una visita informal, recorrimos juntas varios museos,  entre ellos el Moderno. Gail nos ayudó con muy buenas ideas sobre el rol que cumplen los museos hoy en las ciudades…

Luego viviste mucho tiempo fuera de la Argentina….

Si  y ahí me concentré en el proyecto Hoods for Heritage en Beirut junto a Porsche Medio Oriente. Había visto algunos frentes y capots de automóviles deportivos Porche en la galería de Daniel Maman en Argentina, intervenidos por artistas y se me ocurrió llevar esa idea a Medio Oriente. El concepto era hacerlo con artistas releveantes y me interesó producir eso allá pero sin un interés económico, sino en el marco de un proyecto solidario, ya que por la guerra el museo de Beirut había sufrido mucho y si bien había sido recostruído era fundamental continuar con el proceso de recaudación de fondos. Para eso hicimos una subasta con un excelente resultado lo que permitió poner nuevamente en valor el lugar…

“Nuestra misión hoy, es aumentar la cantidad de socios y poder generar programas que posibiliten la mayor accesibilidad al Museo” Inés Etchebarne

Fuiste elegida por el Ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro y por Victoria Noorthoon actual directora del Moderno para dirigir una área estratégica, como la Comisión de Amigos del Museo… Como pensaste este board? querías que fuera algo diferenete pero al mismo tiempo que tuviera un perfil altamente efectivo?

Exacto, mi idea era armar una comisión plural, super heterogénea, con gente de diferentes perfiles, fijate que hay qente del sector empresario, o por ejemplo Martín Zanotti, que es arquitecto, Florencia Binder que viene del Faena Art Center; en todo el grupo se reconoce una fuerte apuesta a la creatividad. La Asociación es  un equipo que trabaaj en el management y en la reestructuración desde distintos aspectos, y en distintas comisiones. Cada comisión de la Asociación de Amigos se ocupa de diferentes objetivos, por ejemplo la comunicación, o el shop, finanzas o infraestructura. Generamos distintas formas de membresía, tenemos por ejemplo la categoría de “amigos” y la de los “superamigos”… conseguimos por ejemplo un elevador para gente con discapacidad, algo esencial para cuando el museo abra al público…..

Y cual sería  el principal objetivo hoy, durante tu gestión frente a la Asociación de Amigos?

Como te dije lo fundamental es trabajar en el management…..nuestro principal objetivo es ampliar la base de socios, amigos y contribuyentes. Partimos de unos 200 socios y queremos llegar a los 2000, por eso rediseñamos distintas estrategias, como estas noches modernas…

Cómo ves el fenómeno de las empresas que tradicionalmente vienen apoyando al arte, qué los impulsa hoy a sostener su participación como prioridad en este marco?

Es un momento difícil para todos, pero es la manera concreta que tienen muchas empresas de llegar con productos  a la casa de la gente. Y ese siempre es el objetivo fundamental de una marca. Por eso pensamos en este formato tan original que arrancamos el 29 de Mayo.

¿El Moderno viene de eventos como la muestra de Avello o de Loof? La idea hoy es poner el foco fundamentalmente en los más jóvenes?

Yo creo que la tarea de Victoria es esencial en el sentido de captar distintos públicos y uno de ellos son los jóvenes. Nosotros tenemos en la Asociación de amigos a los jóvenes del moderno que con su modelo de accesibilidad no solo busca conectar a los jóvenes, sino a personas con dificultades de accesibilidad.

>>Noches Modernas

Contame esta iniciativa de las noches modernas…  arrancan el 29/5 con un formato muy particular… una forma de meet up que reúne a Ana Martinez Quijano, Victoria Noorthoon y Tomás Sarraceno, más un catálogo, maridado con un vino Fond de Cave.

Si sobre todo creeemos que las ediciones del Moderno son muy importantes una suerte de catálogo y libro, ya que involucran fotógrafos, diseñadores y escritores… Lo interesante por ejemplo de la obra de  Saraceno que es el artista con el que iniciamos el ciclo es la cosmovisión del mundo que tiene… Su muestra en el Moderno fué realmente fabulosa. En el 2018 y durante la Semana de las Artes en del Palais de Tokio,  Tomás intervino13.000 m2 con materiales del Moderno…. Eso que propuso, además de un desafío creativo, fue un orgullo para todos los argentinos y un logro en término de  políticas culturales.

Como ves el mundo del arte?  sobre todo el que se viene y como te imaginás la apertura del lugar, luego de las restricciones propias del Covid19?

Tuvimos que suspender la fiesta a Sergio De Loof, pero creemos que con la apertura, vamos a poder generar circuitos para públicos reducidos. Pero tampoco estamos seguros, no sabemos como va a ser el regreso a la nueva normalidad.  Va a ser toda una sorpresa y un desafío creativo para el que tenemos que estar preparados.

Desde la Asociación de Amigos buscamos acercar el museo a tu casa, creando una experiencia diferente durante la cuarentena.
Noches Modernas son encuentros con libros y vinos que llegan a tu casa y desde ahí nos conectamos con un sommelier, artistas, curadores y críticos.
Los encuentros comienzan el último viernes de mayo. ¡Anótate para poder recibir los libros y vinos a tiempo!

Importante:  Los socios del Moderno tienen un beneficio sobre el arancel de esta actividad.

Hacete amigo del moderno, tu ayuda beneficia directamente al museo.
Hay distintas modalidades de beneficios para cada membresía.
Enterate de todo aquí.

©Rey Rolex para Jungle edición Argentina / Todos los derechos reservados

Estudiaste religión y teología en Harvard, te especializaste en las relaciones entre filosofía y religión, religión y violencia y religión y política. ¿Llegaste a esa determinación por tu vocación política o como parte de una búsqueda de carácter espiritual y trascendente…?

Fue una mezcla de curiosidad intelectual y de búsqueda de herramientas de vida. Empecé con la filosofía y de ahí me fui acercando a la teología y al estudio de las religiones. Los grandes filósofos y las religiones hacen lo mismo: ubican al ser humano en relación a si mismo, en relación a otras personas, y a la vida (o al universo) en el sentido más amplio. No hay gran filósofo que no marque, con su pensamiento, un camino de vida, una noción de como debe vivir el ser humano. Las religiones hacen lo mismo.

En tu libro se plantea que esta época es mucho más religiosa de lo que pensamos y que más del ochenta por ciento de la población mundial dice seguir alguna religión. ¿Cómo ranquea la Argentina dentro de este contexto mundial?

Según la “Segunda Encuesta Nacional sobre Creencias y Actitudes Religiosas en Argentina” de Conicet del año pasado, alrededor del 80% de los argentinos creen en Dios. Después, cómo se expresa esa creencia varía, y en términos generales vemos una caída en la cantidad de católicos y un crecimiento en el número de evangélicos.

“Nuestra época es mucho más religiosa de lo que solemos o queremos pensar. A poco de terminar la segunda década del siglo XXI, más del ochenta por ciento de la población mundial dice seguir alguna religión. Sin embargo, sabemos poco y nada sobre ellas”.

En un mundo 100% on line con Moocs, streaming, youtubers etc… vos elegiste hablar de Dios en un libro. ¿El libro es el único formato de Dios o puede haber un Dios digital? ¿Como se construye hoy nuestro sistema de creencias religiosas?

Entre los jóvenes de las grandes ciudades se da un fenómeno interesante: cada vez hay más personas que toman la comunión (catolicismo) pero creen en la reencarnación (budismo y hinduismo) o comen kosher (judaísmo) pero meditan (hinduismo y budismo) o leen los poetas del sufismo (misticismo islámico). En un mundo que se achica por inmigración, emigración, televisión, internet, redes sociales, cada vez tenemos más herramientas para construir un sistema de creencias y entonces se van mezclando. En el futuro, tal vez, además de hablar de naciones multi-religiosas, también hablaremos de personas multireligiosas—individuos que en sus creencias y prácticas tiran abajo las paredes que hacen posible los fundamentalismos.

¿Entonces el argentino es religioso? ¿En qué creemos?

Si, somos religiosos. El 80% cree en Dios. En los últimos once años, según el estudio de Conicet, los católicos pasaron del 76,5 al 62,9 por ciento de la población, el porcentaje de personas “sin religión” aumentó de11,3 a 18,9 por ciento; y el de los evangélicos, que creció en adherentes, pasó de 9 a 15,3%.

Alan Watts en su libro “Sabiduría de la inseguridad” supone que las creencias nos aferran y la fe precisamente consiste en dejarse ir… que pensás?

Alan Watts fue uno de los grandes intérpretes del budismo zen y esa idea viene justamente del zen: “si encontrás al buda, matá al buda”. Estoy de acuerdo. Si lo que hacen las religiones es proponernos caminos de vida—distintas maneras de expresar lo que significa vivir como un ser humano—no pueden ser dogmas incuestionables. Todo lo contrario, el cuestionamiento y la exploración deberían ser parte integral de ellas.

Tu libro “Dios en el siglo XXI” repasa las principales religiones universales: judaísmo, cristianismo, islam, hinduismo y budismo, ¿pero en este marco discursivo vos te declarás agnóstico… que és exactamente ser agnóstico?

El creyente cree y el ateo rechaza. A pesar de que están en polos extremos, muchas veces tienen en común que se encierran en sus propias certezas. El agnóstico, en cambio, es la persona que no sabe, que no cree tener fundamentos para tomar una postura fuerte de un lado ni del otro. No sabe, pero la cuestión de Dios y de la religión le parece una pregunta central de nuestra existencia. No le es indiferente, y por eso busca siempre abrirse.

Lou Marinoff  el autor de Mas Platón y Menos Prozac en su ABC de la Felicidad, establece que algunas religiones se encolumnan detrás de un libro (judaísmo, cristianismo, islam) y otras filosofías y creencias por ejemplo el aristotelismo o el budismo privilegian el punto medio sobre el fundamentalismo y la exégesis… ¿Cuál es tu opinión?

No sé si entiendo bien ese argumento. Es cierto que el judaísmo, el cristianismo y el islam se basan en libros sagrados, pero eso hace precisamente más urgente la tarea de navegar entre interpretaciones literales del texto (fundamentalismo) e interpretaciones que adaptan el texto a nuevas circunstancias (exegesis). Muchas veces se dice que el hinduismo y el budismo son religiones menos propensas al fundamentalismo que las occidentales, pero no es tan así. El budismo zen fue sostén del imperialismo japonés en la segunda guerra mundial, hoy el nacionalismo hindú persigue a los musulmanes en India mientras que en Sri Lanka la mayoría budista persigue a minorías.

 Nos permitimos una ignorancia acerca de estos temas que nos parecería inadmisible en cualquier otro campo, y así limitamos nuestra capacidad de explorar distintas comprensiones del ser humano y de nuestra propia humanidad.

¿Hay algo en lo que creen los que no creen como piensa Umberto Eco ?

En la ciencia y la filosofía siempre estamos buscando lo que nos diferencia de otros animales. En una época pensábamos que sólo el ser humano tenía lenguaje o la capacidad de razonamiento abstracto, pero después fuimos viendo que hay muchas otras especies que comparten con nosotros esas facultades. Quién sabe, tal vez lo que realmente nos diferencia de los otros animales es la religión, que somos el único animal religioso del planeta. Creo que como especie y como personas estamos siempre buscando la transcendencia y el sentido último de las cosas. Todos creemos en algo o estamos buscando en que creer.

 Uno de los aspectos que me resultaron más interesantes de tu libro fue en el que planteás que muchas de las dificultades para entender los problemas políticos actuales surge de querer abordarlos desde la política y no desde la religión y los puntos en común que tiene entre las personas…

El “analfabetismo religioso” es peligroso. ¿Si el 80% de la población mundial es religiosa como podemos darnos el lujo de no saber nada, o muy poco, de ellas? Madeleine Albright, la ex canciller de Bill Clinton, dijo que se dio cuenta demasiado tarde que como canciller tenía que tener asesores en cuestiones de religión y teología de la misma manera que las tenía en temas de economía o geopolítica. Incluso, dice que el plan de paz para el Medio Oriente que tenían fracasó por no tener en cuenta las raíces religiosas—además de los políticos y económicos—del conflicto. Pero no solo es el Medio Oriente: Putin busca agregar la fe como sostén del Estado ruso en la constitución, la influencia de la derecha religiosa en EE.UU. es evidente, y acá le pedimos al Papa que nos ayude con la negociación de la deuda. El mundo es religioso y no estamos educados para ello.

Hoy en el contexto de una pandemia y una crisis mundial, el mundo conocido atraviesa una suerte de “shut down”, una contracción del uso y el consumo en la que cae la demanda de objetos de lujo o la compra de durables. Nos volvimos impermanentes, ¿más vulnerables y eso nos hace nuevamente sujetos de fe?

Todas las religiones que trato en el libro comparten la idea de que el gran problema del ser humano es que ponemos nuestro empeño y atención en cosas que al final del día no terminan de llenar el vacío que tenemos adentro, un vacío que solo lo puede llenar Dios (aunque distintas religiones piensan en Dios de distintas maneras, obviamente). Muchas veces las crisis hacen que nos despojemos de lo superfluo y focalicemos la atención en lo que realmente importa. Ese foco es central para las religiones. Para Jesús, por ejemplo, la llegada inminente del reino de Dios significaba que teníamos que arrepentirnos ya, poner ya nuestra casa espiritual en orden, no había tiempo para perder. Pensálo: ¿si realmente crees que el fin del mundo es en un par de días porque llega Dios, no vivirías de manera muy distinta lo que te queda? Para buda, fue ver a un hombre enfermo, a un anciano y a un muerto lo que lo llevó a salir del palacio y convertirse en un líder espiritual. La realidad es que no hace falta una pandemia, si prestáramos atención, todos los días podríamos ver una ambulancia, un hospital, una casa funeraria, avisos de que el tiempo que tenemos es poco y que mejor es enfocarnos en lo que realmente importa.

 En tu libro se menciona la compatibilidad entre algunos conceptos propios del budismo y los últimos avances de la psicología positiva y la ciencia. El Dr. Martin Seligman responsable del departamento del Departamento de Psicología Positiva de Penn University ha demostrado que las emociones positivas, la generosidad e incluso una actitud religiosa garantizan un mayor bienestar que pensás de esto? 

Hay experimentos hechos con monjes budistas a los que se le ponen mantas mojadas encima cuando están meditando al aire libre en pleno invierno tibetano, vestidos con sus túnicas y sandalias, y generan tanto calor corporal que secan las mantas y vuelven al templo como si nada. Claro, son los Federer y Messi de la meditación, pero nos muestran que estamos lejos de desarrollar la totalidad de nuestra capacidad mental, de control de nuestras actitudes, y la expansión de nuestra capacidad para la empatía. Un precepto del budismo es que para ser un buda hay que empezar a vivir como un buda: eso incluye emoción positiva y generosidad entre otras cosas.

¿La new age es para vos una nueva forma de religión?

Si uno define “religión” como un mapa que orienta y organiza nuestra relación con nosotros mismos, otros, y el universo, entonces ¿por qué no?

 Como ves la difusión del yoga, el furor por el budismo y las terapias alternativas y la posición de aquellos que piensan que la religión es algo fue evolucionando hacia un sincretismo universal con prácticas más contemporáneas y tolerantes.

Estoy a favor. Muchas veces pensamos en las religiones como si fueran estados nación, con guardias en las fronteras y donde si incorporas elementos de otra religión a tu vida sos un traidor a tu fe. A mi, en cambio, me gusta como pensaba y vivía Gandhi su religiosidad. Él decía que como indio tenia una relación especial con el hinduismo ya que era la religión de su cultura de nacimiento pero que como ser humano todas las religiones le pertenecían, ya que eran parte de la herencia colectiva de la humanidad. Tenía, entonces, el mismo derecho al cristianismo que la persona que había nacido en un contexto cristiano, o al judaísmo, o al islam.

 Finalmente creer en algo eterno es siempre mejor que dudar eternamente de todo?

Dudar eternamente de todo no solo es agotador, es imposible. Siempre creemos en algo. Mientras que creer en algo eterno da certezas y ayuda a manejar la angustia generada por los vaivenes de la vida, también cierra puertas y caminos de exploración, limitando el desarrollo de nuestra humanidad. Me parece que la meta no es creencia ni duda—la meta es apertura, estar abiertos a aprender de los múltiples caminos religiosos que los seres humanos hemos ideado.

Dios en el siglo XXI  es una herramienta poderosa para comprender la condición humana e indispensable para entender el mundo en el que vivimos. Explicado de forma tanto clara y amena como rigurosa y ordenada, el autor aborda el judaísmo, el cristianismo, el islam, el hinduismo, y el budismo: sus orígenes, preceptos, prácticas, creencias, desarrollos y controversias actuales.

Agradecimiento Especial / Alexia Martínez de Hoz

Como fueron tus primeros pasos en el circuito del arte contemporáneo?

Estudié Historia del Arte en Florencia, allí hice una maestría en Curaduría de Nuevos Medios. Yo de formación soy curadora en artes electrónicas. Hice eso antes de la llegada de las redes sociales…  Me especialicé en “Net art”, cuando esto recién, recién se iniciaba. Net art y digital arts. Bueno… esas denominaciones no existen más. También estudié en Austria en la ciudad de Linz dónde se realiza el Festival de Ars Electrónica desde hace más de 30 años.

Cuál fue tu primera muestra cómo curadora?

Mi primera muestra como curadora fue de arte robótica en el 2004 / 2006. Desde los comienzos de mi carrera estuve interesada por lo nuevo, por la vanguardia. Siempre con el ojo mirando lo que se viene o lo que está sucediendo en el mundo, lo que va a pasar en el futuro. A mí me parece que el arte tiene esa capacidad de imaginar futuros posibles.

En ese momento sentías que las galerías y museos como formato tradicional empezaban a ceder a nuevas formas de mostrar y de exhibir?

Siempre me interesó buscar alternativas a los modelos existentes y ver cómo se puede mejorar. En esos momentos en los que estaba estudiando en al universidad creía de una manera naif que los modelos de museos eran una cosa antigua y muy rígida. Ellos también cambiaron. Entonces fue que pensé: si no me gusta un sistema museístico o creo que puede mejorar, mejor cambiarlo desde adentro. Por eso mi primer trabajo fue con la Municipalidad de Nápoles, para crear el primer museo de Arte Contemporáneo de Nápoles. Y eso fue también pensar cómo crear en Italia, con miles de años de historia y museos, cómo hacer un museo hoy para el público de hoy. Que toda la estructura, la programación, la mentalidad y el concepto apunten a lo contemporáneo.

Cuando me mudé a Nueva York pensé qué estudiar en esta ciudad o aprender… y me di cuenta que era todo lo vinculado al sistema económico vinculado al arte es decir todo lo que tiene que ver con el arte y los negocios. Hice una pasantía en el MOMA, pero me pareció mucho más importante lo que podía aprender con los coleccionistas sobre el ciclo de vida de la obra de arte.

Un sistema orientado a percibir la obra de un artista desde el punto de vista del mercado…

Exacto, aquí en Estados Unidos, sobre todo en Nueva York, no existe ningún prurito a la hora de hablar de dinero respecto de una obra de arte…

“Este Arte es una plataforma de negocios, en la que reunimos artistas, curadores, críticos, coleccionistas, mecenas, amantes del arte e inversionistas nacionales e internacionales. Es una feria a escala humana con una imperdible agenda cultural. Joven, sexy e incitadora de tendencias”

Laura Bardier Directora de ESTE ARTE

Se trata de una mentalidad más pragmática…

Exacto y una razón fundamental acerca de cómo surge la feria es que ven el arte como una profesión. En todas las profesiones hay buenos y malos profesionales y eso pasa también con los artistas. Con Estrellita Brodsky y  otros coleccionistas buscábamos obras para comprar de una manera formal… y vimos mucha informalidad sobre todo en Uruguay por la falta en ese momento de galerías y curadores… Eso fue lo que me interesó: profesionalizar el sistema de las artes en la región.

Ahí surge la plataforma de la feria?

Para mi se trata básicamente de ofrecer opciones. El sistema de ferias está pensado para que los coleccionistas compren teniendo un conocimiento más acabado de los artistas. En Uruguay existía una mirada romántica dónde el artista tenía que ser desconocido y casi pobre. Hoy eso no es más así y los artistas jóvenes o aquellos que recién empiezan pueden darse a conocer… ¿Si alguien quiere dedicarse al arte, vivir de ello  e incluso vivir bien por qué no darle posibilidades?

Más allá de la visibilidad lo que se busca es un mayor diálogo entre los artistas y los compradores?

Fui jurado del Premio Cezáne de la Embajada Francesa, y de la Comisión Nacional que selecciona el artista que representa a Uruguay en la Bienal de Venecia y lo que me di cuenta es que los artistas tienen una necesidad enorme por comunicarse y relacionarse, de tener la opinión calificada de otras personas sobre su obra.  Hay un deseo permanente de saber más y de conectarse. Yo creo que hay mucha potencia y capacidad de crecimiento. Si pensamos en los artistas que se muestran en Este Arte algunos son muy conocidos pero otros son jóvenes emergentes super interesantes. Si uno no está metido dentro del circuito, no los conoce.

Las ferias serían la alternativa disruptiva y eficiente, para que los artistas establezcan un puente con el púbico y los conozcan…

Siempre. Para darte un dato, en la última edición de Este Arte, el 100% de las galerías vendió. Eso no pasa en ninguna otra parte del planeta. Todas las galerías que participaron vendieron obras.  Una de las cosas que siempre digo es que nosotros en Punta del Este no podemos competir en números contra Buenos Aires o San Pablo, pero si en calidad.

Con el crecimiento año a año, se ve Este Arte como la feria “boutique” de la región…

Ese es uno de los objetivos que más nos interesa, es hacer un proyecto de calidad y a escala humana. Un proyecto internacional con raíces locales. El trabajo es integral con la comunicación del proyecto, la convocatoria de coleccionistas que van a estar en Punta del Este y los que traemos especialmente para el evento. Priorizamos mucho las relaciones personales, el contacto y la relación.

La feria atrae un público internacional a Punta del Este interesado en la compra de obras también por las facilidades en su política fiscal.

Existe ya desde la Constitución de Uruguay,  una política de facilidades, todos los productos culturales en Uruguay no tienen IVA. Todas las galerías que venden obra no pagan IVA, y todas las obras extranjeras que llegan al país y salen dentro de 90 días no pagan impuestos de aduanas. Esto es muy diferente a todos los países de América Latina.

Otro punto es que en Uruguay se pagan impuestos de acuerdo al valor de producción no al valor de mercado. Por ejemplo el año pasado se vendió un Picasso en U$s 500.000.- y pagó 150 dólares de impuestos de aduana por el valor del marco.

Con que apoyo contás para el desarrollo de la feria?

En principio el Ministerio de Educación y Cultura del Gobierno Nacional. El Ministerio de Cultura es el ente que nos ha apoyado desde el principio, con continuidad y seriamente.  La feria es el único evento en Punta del Este pero también en Uruguay que ha congregado público peruano, paraguayo, brasilero, chileno, argentino, europeo y americano. No hay nada parecido…

En 2018 la feria contó con la presencia de galerías de Barcelona, Cuba, Miami, Lisboa, Zurich entre otras capitales… no hay ninguna otra feria con este tipo de convocatoria?

Tuvimos galerías de Mónaco, Rusia, de Rumania, Suiza todos los años… Yo desde el principio trato de mantener un balance 50% de galerías no latinoamericanas…. y 50% latinoamericanas… Mi interés es eso. Internacional pero con raíces locales… para terminar quiero destacar el apoyo del grupo FENDI CHATEAUX.

En cada edición desarrollás un programa VIP especialmente pensado para coleccionistas con previas, cócteles y charlas. Este año se mantiene?

Por supuesto. El programa VIP tiene charlas, debates públicos, este año vamos a tomar algunos temas de interés actual vinculados a ecología y arte. Hace tres años invitamos a Leandro Erlich a una charla sobre aquitectura y ficción con Gloria Cala, con estas charlas tratamos de anticipar tendencias… También somos conscientes de los cambios en términos de diversidad cultural que se están dando y por eso todas las galerías deben incluir por lo menos una mujer. También les damos beneficios a aquellas galerías que representen en su diversidad algún colectivo específico…

ESTE ARTE /  VI EDICION

@esteartefair
#esteartefair

COMITÉ ASESOR
Estrellita B. Brodsky / Luís Camnitzer / Leandro Erlich / Rosa Sandretto

COMITÉ DE SELECCIÓN
Martin Castillo, Galería SUR / Danielle Cazeau, Reginart Collections / Mario Cristiani, Galleria Continua / Renos Xippas, Xippas Galleries

EQUIPO
Directora
Laura Bardier

Coordinadora Expositores
Elena Esen

Coordinadora Comunicación
Veronica Parrado

Coordinadora Administración & Producción
Margarita Baptista

Coordinadora Programa
Cecilia Tello D’Elia

Laura Bardier

Laura Bardier (1976, Montevideo) es Directora Ejecutiva de la James Howell Foundation (Nueva York) y Directora de ESTE ARTE Feria internacional de Arte Contemporáneo (Punta del Este).

Ha escrito extensamente sobre arte contemporáneo en publicaciones como Domus, Arte al Día, Review, y ha comisariado varias exposiciones incluyendo Robots en PAN de Nápoles (2008), Los Impolíticos en PAN de Nápoles (2009) y Richard Garet: Espacios no – Euclides en el Espacio de Arte Contemporáneo de Montevideo (2007).

También ha organizado paneles y conferencias internacionales incluyendo 2nd Forum on New Media Art, el 1st Forum on Documentation and Art y la serie radiofónica New Media Art para la radio del MoMA-PS1, en la 52ª Bienal de Venecia. En el 2002 colabora con el Municipio de Nápoles, para crear el primer centro municipal para el arte contemporáneo.

A partir de 2004 – 08 se desempeñó como curadora en PAN, Museo de Arte Contemporáneo de Nápoles, donde supervisó la programación contemporánea y comenzó la colección del museo de video arte. Entre el 2008-10 desempeña el rol de curadora de la colección privada de Jonathan Carroll (Nueva York/London), entre el 2010 -13 en la colección de Daniel y Estrellita B. Brodsky (Nueva York).

Bardier recibió su maestría en curaduría de nuevos medios en la Donau Universität, Austria (2002). Es miembro del Comité Nacional de Artes Visuales de Uruguay, de la organización Art Table Women Leading in the Arts, y ha sido jurado en varios premios, como el premio Cezanne de la embajada de Francia en Uruguay como en Parsons School of Design.

Agradecimientos:  Solange Calvermater

Trabajaste en dirección de comerciales para muchas agencias. Con Rómulo Macció siempre comentábamos esto de que los artistas que pasaron por la publicidad parecen tener el ojo mucho más agudo para ver y describir la realidad… Que pensás de eso?

Fui director creativo de agencias de publicidad antes de comenzar a dirigir comerciales y video clips. El ejercicio profesional de la creatividad te exige y te entrena para ver, entender, descifrar, detectar y aprovechar los espacios en blanco de cualquier situación. De alguna manera nos convertimos en atletas de la creatividad. Ante un estímulo… una reacción inmediata, de ideas, frases, imagenes…. Todo se vuelve  una ráfafga imparable…

También dirigiste clips entre ellos de “Ella usó mi cabeza como un revólver” el video que obtuvo de un MTV Award para Soda Stéero. Cómo recordás esa experiencia hoy que la banda está de vuelta con una mega gira por Colombia, Chile México y Argentina ?

Bueno, con Gustavo y Zeta fuimos compañeros de la carrera de Publicidad en la Universidad del Salvador. Antes incluso de ser Soda, ellos grabaron un demo en un grabador Teac a cassette de 4 canales, que me compré con mis primeros sueldos como creativo. También hicieron una de sus primeras presentaciones en nuestra fiesta de egresados,  Años después nos volvimos a cruzar y casi trabajamos juntos en La Ciudad de la Furia. Bueno, al menos ayudé dándoles el dato de una locación en San Telmo donde yo había dirigido un comercial, el galpón donde se filmó el clip finalmente. Años más tarde, yo ya viviendo en Chile y con mi productora Stanley Films trabajando a mil, se dio la oportunidad de hacer el clip de Ella usó….. Fue mi primer clip, la verdad. Fue un proceso muy mágico y rápido, sobre todo con Gustavo.

Las imágenes que propuse se fusionaron con las de Gustavo y filmamos en Santiago de Chile, en 35mm. Unos meses después y luego de pegar muy fuerte, el clip ganó el Astronauta de MTV con el People´s Choice Award. Gustavo me llamó para contarme y me preguntó si estaba sentado… fue genial. Pude participar de la entrega en NY.  Atesoro el Astronauta en casa hasta hoy. La gira nueva de Soda es una maravillosa noticia. Todos queremos seguir sintiendo que siguen. Sin duda me hubiera gustado participar de alguna manera.

Te considerás un artista pop?

Bueno, digamos que lo que hago, al final tiene siempre una lectura Pop. El mix  del que se alimentan mis obras, es el resultado de mi educación, mis gustos estéticos, mi vida. Tengo una predilección por contar historias contemporáneas cuyas reflexiones se entiendan en todo el mundo sin necesidad de palabras.

Borges decía que algo es clásico si en ello todo resulta deliberado, fatal, profundo como el cosmos y capaz de interpretaciones sin término. Creés que eso es lo que le pasa a la gente con Almost Classic?

ALMOST CLASSIC, es un título total y deliberadamente irónico.

Utilizo el golpe inicial de una o varias obras maestras del arte clásico,  les cambio el sentido y las transformo en una idea que cuente una historia que pinche como una aguja. A veces son banales, pero muchas ponen el dedo en la llaga. Lo clásico me sirve para decir que no hemos cambiado pese a los siglos de nuestra civilización. Uso lo cásico, pero intento demostrar que lo verdaderamente clásico es nuestra terquedad para la estupidez como humanidad. Por eso ALMOST CLASSIC, Casi Clásico.

Viendo tus obras uno encuentra una cuota de ironía, una especie de burla cómplice sobre lo que encarnamos o decidimos ser …sobre la complicidad del poder y las pasiones humanas…

Hay un efecto sobrecogedor en las miradas de las personas retratadas hace cientos de años. Su alma es nuestra alma. Mi experiencia como cineasta me ha permitido reaccionar a esto siempre, tanto en el cine como ahora en esta etapa artística. Al mirarnos desde el cuadro, estos personajes nos obligan a pensar o sentir lo que ellos piensan o sienten en mis nuevas obras. Nos interpelan y lo hacen un tanto sarcásticamente.

La muestra con la que te presentás a la Argentina reúne óleos e impresiones glícée… también hay dos pantallas gigantes querés contarme algo de lo que vamos a ver?

La muestra en Buenos Aires, consta de 9 óleos, y unos 10 Giclée. Pero también habrán dos monitores que mostrarán sin parar, un recorrido por unas 200 de las casi 600 obras que llevo realizadas hasta este momento. Este forma de presentar mis obras ha sido muy bien recibida durante mis muestras internacionales. La gente ve todo, pero se queda mucho tiempo más enganchada y  opinando mientras pasan las obras en los tvs. O sea es una muestra en la que se puede permanecer bastante tiempo y entretenerse mucho.

Almost Classic es también un libro?

Así es, publiqué el ALMOST CLASSIC Vol. I, con unas 200 obras. Espero poder publicar los siguientes volúmenes en todas sus numeraciones posibles,ya que las obras no paran de salir. Está disponible en Blurb.com, con envío a cuaquier parte del mundo.

La muestra viene de un recorrido impresionante por ciudades como Londres, Florencia, Miami, Santiago, Taipéi y Dubéi. Como recibieron Almost Classic y que fue lo mejor que viviste en esa gira.

El 2018 fue un año excepcional para mi. Gracias a que puse mis obras en Instagram en la cuenta : stanleyunlimited, aparecieron posibilidades de exponer internacionalmente en 6 países.  Fue realmente inesperado y me cambió la vida. Empecé con una colectiva en Londres, pero las 5 restantes fueron ya individuales.  Esto demuestra que las ideas son universales, y que pese a las distintas culturas donde expuse, los mensajes son entendidos, no siempre compartidos, en todo el planeta. Me siento muy afortunado por haber expuesto en lugares como Taipei o Dubai, nunca lo esperé. Para mi fue y sigue siendo un viaje sin límite al entendimiento del otro.

Qué lugar tiene para vos el arte a partir de las nuevas tecnologías…

Soy un bicho tecnológico. Siempre me he valido de la tecnología como herramienta para contar historias. Investigo todo el tiempo y estiro los límites de mi obra muy libremente.

En qué otras cosas estás trabajando ahora?

Hace un tiempo que vengo desarrollando esculturas de gran formato en vidrio impresocon mis obras. Las pienso como arte urbano, donde mezclo la estética del arte clásico,con materiales modernos como el vidrio y el acero, generando obras tridimensionales que puedan ser recorridas desde todos los ángulos y que interactúen con la arquitectura. Ya hay un par de proyectos concretos en Santiago de Chile, que están en proceso de fabricación y hay más viniendo.

Me interesa mucho también agregarles movimiento, sumarle la dimensión cinética.

Los sueños si se expresan pueden volverse realidad.

Interview: Andrés Castro para Jungle Mag

Inauguración domingo 10 de noviembre –
Galería POPA – Gregorio Aráoz de Lamadrid 882 – La Boca
Entrada Libre y Gratuita desde 14 hs. – 17 hs. Dj set.  Cierre 20 hs.

Agradecimientos: Marcelo Bosco / Galería POPA